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Die Leichtigkeit der Kunst - Kunstpodcast

Claudia Linzel

Seit 2020 vor Ort: Künstler:innen, Kurator:innen und Museumsdirektor:innen im Gespräch – Kunstgeschichte, Kunstmarkt und Gegenwart im deutschsprachigen Raum.

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  • 26 episodes
  • fortnightly
  • Avg 1 hr 3 min
  • German
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  • #284
    October 9 · 1 hr 17 min

    Benedikt Hipp & Rouven Lotz im Emil Schumacher Museum | Songs from the Orbs & Indemini | Kunstpodcast Die Leichtigkeit der Kunst

    Benedikt Hipp benötigt für einen Holzbrand 60 bis 70 Stunden. Der Ofen wird mit Keramiken gefüllt, zugemauert und über mehrere Tage hinweg befeuert. Temperatur, Luftzufuhr und Holz lassen sich steuern, Wetter, Feuchtigkeit, Asche und Verlauf des Brandes bringen ihre eigenen Bedingungen mit. Benedikt Hipp nennt das Zieloffenheit statt Zielgenauigkeit. Dieser Gedanke führt durch das Gespräch im Emil Schumacher Museum in Hagen, wo Hipps Ausstellung Songs from the Orbs parallel zu Indemini. Der Erde näher als den Sternen mit Arbeiten von Emil Schumacher gezeigt wird. Zu Gast sind der Künstler Benedikt Hipp und Museumsdirektor Rouven Lotz. Benedikt Hipp Benedikt Hipp ist in einer Familie von Wachsziehern aufgewachsen. In der Werkstatt seines Vaters und Großvaters wurden unter anderem Votivgaben hergestellt: Hände, Füße, Augen, Zähne und andere Körperteile aus Wachs. Als Kind beobachtete Hipp, wie diese Formen nach Gebrauch wieder eingeschmolzen wurden. Ein Fuß verlor im heißen Wachs seine Konturen, einzelne Körperteile lösten sich auf und wurden zu neuem Material. Augen und Körperfragmente tauchen später auch in seinen eigenen Arbeiten auf. Im Gespräch erzählt Hipp von dieser Familiengeschichte, seiner Studienzeit bei Sean Scully und der Frage, welche Rolle Können, Erfahrung und Offenheit im künstlerischen Arbeiten spielen. Songs from the Orbs Für seine keramischen Arbeiten baut Benedikt Hipp eigene Holzbrandöfen. Gebrannt wird über mehrere Tage bei Temperaturen bis etwa 1400 Grad. Zum Einsatz kommen unterschiedliche Tone, die Hipp zum Teil selbst sammelt und ausgräbt. Auch das Brennholz hat mitunter eine eigene Geschichte. Für eine Skulptur in Form einer Zunge verwendete Hipp unter anderem Akazienholz aus der Villa Massimo in Rom. Die Bäume waren dort rund hundert Jahre zuvor gepflanzt worden und mussten gefällt werden. Beim Brand wurde ihre Asche Teil der Oberfläche der Keramik. In einer weiteren Arbeit befindet sich ein Mikrometeorit. Von dort führt das Gespräch zu Materie, Sternen, Supernovae und zu Hipps Interesse an der Frage, aus welchen Elementen Erde, Ton und auch der menschliche Körper bestehen. Rouven Lotz und Benedikt Hipp Rouven Lotz lernte Benedikt Hipp während dessen Aufenthalt an der Villa Massimo in Rom kennen. Er besuchte dort zunächst den von Hipp angelegten Garten, später eine Ausstellung und schließlich sein Atelier. Daraus entwickelte sich die Einladung, eine eigene Ausstellung für das Emil Schumacher Museum zu konzipieren. Songs from the Orbs wurde von Benedikt Hipp selbst für die Räume des Museums eingerichtet. Lotz beschreibt seine eigene Rolle im Gespräch als die eines Ermöglichers. Die Ausstellung steht dabei eigenständig neben der Präsentation von Emil Schumacher. Emil Schumacher und Indemini Im Mittelpunkt der parallel gezeigten Schumacher-Ausstellung steht Indemini von 1974. Das fast drei Meter hohe Werk zeigt eine schwarze Bogenlinie auf Jute. Auf der Oberfläche befinden sich Teerklumpen, die direkt auf dem Bildträger befestigt wurden. Über viele Jahre war Indemini als Dauerleihgabe im Saarlandmuseum in Saarbrücken zu sehen. Als das Werk aus Privatbesitz in den Handel kam, konnte die Emil Schumacher Stiftung es erwerben und dauerhaft nach Hagen holen. Rouven Lotz erzählt im Gespräch von der Geschichte dieses Werks, seiner Bedeutung für die Sammlung und von Schumachers Umgang mit Material und Zufall. Sehen, Wissen, Verstehen Historische Votivgaben aus dem Familienbetrieb von Benedikt Hipp führen im Gespräch zu einem weiteren Thema: Wahrnehmung. Ein Auge aus Wachs kann für verschiedene Menschen vollkommen unterschiedliche Bedeutungen haben. Wissen, Erfahrung und persönliche Geschichte verändern den Blick auf einen Gegenstand. Auch Sprache spielt dabei eine Rolle. Benedikt Hipp und Rouven Lotz sprechen darüber, wie Menschen dieselben Worte verwenden und dennoch unterschiedliche Vorstellungen damit verbinden. Kunst und Gegenwart Eine Arbeit aus dem Jahr 2026 steht am Anfang von Songs from the Orbs. Zu sehen sind unter anderem ein Baum ohne Blätter, Früchte am Boden und eine Hand. Das Bild entstand bereits im Februar. Nach dem trockenen Sommer entschieden Benedikt Hipp und Rouven Lotz gemeinsam, es in die Ausstellung aufzunehmen. Im Gespräch kommt auch Emil Schumacher zu Wort. In einem 1990 veröffentlichten Fragebogen antwortete er auf die Frage nach dem größten Unglück: „Dass diese Welt wider besseres Wissen zerstört wird.“ Von dort führt das Gespräch zu Materialien, Ressourcen und zu der Frage, wie Künstler mit den Stoffen arbeiten, die ihnen zur Verfügung stehen. Die Schwerpunkte des Gesprächs Benedikt Hipps Familiengeschichte: Wachszieher, Votivgaben und Körperformen als Teil des täglichen Lebens. Sean Scully: Über Talent, Können, Willen und die Studienzeit an der Akademie. Songs from the Orbs: Keramik, Malerei, Holzbrand, Ton, Feuer und Asche. Zieloffenheit statt Zielgenauigkeit: Benedikt Hipp über einen Arbeitsprozess, dessen Ergebnis nicht vollständig festgelegt ist. Villa Massimo: Eine Zunge aus Keramik und Akazienholz aus dem Garten der Deutschen Akademie in Rom. Emil Schumacher und Indemini: Die Geschichte eines großformatigen Werks und sein Weg in die Sammlung der Emil Schumacher Stiftung. Rouven Lotz als Kurator: Von der ersten Begegnung in Rom bis zur Ausstellung in Hagen. Wahrnehmung: Augen, Votivgaben und die Frage, wie unterschiedlich Menschen dasselbe Objekt sehen können. Materie und Kosmos: Mikrometeoriten, Sterne, Supernovae und die Elemente, aus denen unsere Welt besteht. Ausstellungen Benedikt Hipp – Songs from the Orbs Emil Schumacher Museum, Hagen Emil Schumacher – Indemini. Der Erde näher als den Sternen Emil Schumacher Museum, Hagen Diese Episode entstand im Emil Schumacher Museum in Hagen. Hören & Abonnieren Der Kunstpodcast Die Leichtigkeit der Kunst erscheint seit 2020 kostenfrei auf allen gängigen Plattformen. ︎ Kunstpodcast auf Spotify hören Die Leichtigkeit der Kunst auf Spotify hören ︎ Kunstpodcast bei Apple Podcasts Die Leichtigkeit der Kunst auf Apple Podcasts hören ︎ Kunstpodcast auf YouTube Die Leichtigkeit der Kunst auf YouTube hören Tipp: Abonnieren & in Verbindung bleiben. Interner Klick-Tipp Rupprecht Geiger – Farbe. Licht. Energie im Emil Schumacher Museum Ein weiteres Gespräch mit Rouven Lotz und Julia Geiger über eine eigenständige künstlerische Position und Farbe als Material https://dieleichtigkeitderkunst.de/rupprecht-geiger-emil-schumacher-museum/ InformELLE – Künstlerinnen des Informel im Emil Schumacher Museum Eine Folge über Künstlerinnen des Informel, ihre Sichtbarkeit und die Erweiterung eines lange männlich erzählten Kapitels der Kunstgeschichte. https://dieleichtigkeitderkunst.de/informelle-emil-schumacher-museum/ Jean Fautrier – Genie und Rebell im Emil Schumacher Museum Rouven Lotz und Theo Bergenthal über Jean Fautrier, Material, Oberfläche und eine Malerei, die für die europäische Nachkriegskunst prägend wurde. https://dieleichtigkeitderkunst.de/jean-fautrier/

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  • #274
    April 17 · 1 hr 23 min

    Alfred Ehrhardt: Fotograf, Filmemacher und Bauhäusler | Dr. Christiane Stahl und Dr. Jens Ehrhardt | Kunstpodcast

    Alfred Ehrhardt: Fotograf, Filmemacher und Bauhäusler Hand aufs Herz: Wir machen ständig Fotos, halten Momente fest und gehen weiter, ohne ihnen wirklich Zeit zu geben. Der Blick streift über vieles hinweg, bleibt selten hängen und noch seltener kehrt er zurück. Genau an diesem Punkt setzt diese Folge über den Fotograf, Kulturfilmemacher und Bauhäusler Alfred Ehrhardt an. Seine Arbeiten entstehen nicht aus der Suche nach dem schnellen Bild, sondern aus einer Form der Konzentration, die Zeit braucht. Im Gespräch mit Dr. Christiane Stahl in Berlin und Dr. Jens Ehrhardt in München wird deutlich, wie sich dieser Blick entwickelt hat, welche Brüche seine Biografie geprägt haben und was es heute braucht, damit ein künstlerisches Werk wieder sichtbar wird. Dr. Christiane Stahl und Dr. Jens Ehrhardt Dr. Christiane Stahl kennt diese Momente aus ihrer täglichen Arbeit. Seit vielen Jahren beschäftigt sie sich mit dem Werk von Alfred Ehrhardt, hat über ihn promoviert und leitet heute die Alfred Ehrhardt Stiftung in Berlin. Dort geht es darum, Bilder zugänglich zu machen und in einen größeren Zusammenhang zu stellen. Im zweiten Teil kommt eine Perspektive hinzu, die sich nicht aus Forschung ergibt, sondern aus Erfahrung. Dr. Jens Ehrhardt spricht als Sohn des Künstlers und als jemand, der sehr bewusst entschieden hat, dieses Werk nicht im Archiv zu belassen, sondern ihm einen Ort in der Gegenwart zu geben. Die Alfred Ehrhardt Stiftung Die Alfred Ehrhardt Stiftung in der Auguststraße in Berlin ist kein Ort, der sich laut in den Vordergrund drängt. Die Räume sind klar, konzentriert, und sie lassen eine besondere Form von Aufmerksamkeit. Hier geht es nicht um das Einfangen schneller Eindrücke, sondern um Bilder und Filme, die Zeit und Ruhe in sich tragen. Der zweite Ort dieser Folge liegt in München bei der DJE Kapital AG. Ein Umfeld, das von Struktur, langfristigem Denken und Verantwortung geprägt ist. Gleichzeitig ist hier die Nähe zur Kunst unmittelbar spürbar. In diesem Zusammenspiel wird deutlich, dass die Weiterführung eines künstlerischen Werks nicht nur eine strategische, sondern auch eine persönliche Entscheidung ist. Es geht nicht allein um Erinnerung, sondern um Haltung und darum, Verantwortung zu übernehmen. Und wir sprechen auch über einen dritten Ort: Das Museum Ehrhardt in Plüschow, initiiert von Dr. Jens Ehrhardt und seiner Familie, entworfen vom Pritzker-Preisträger Francis Kéré. Ein Haus, das Fotografie, Film und zeitgenössische Kunst zusammenführt und bewusst dort entsteht, wo Landschaft, Herkunft und Gegenwart ineinandergreifen. Das Thema Im Zentrum steht Alfred Ehrhardt, der als Fotograf, Filmemacher und Bauhaus-Schüler eine eigene Form des Sehens entwickelt hat. Sein Weg beginnt in der Musik, führt über das Bauhaus in Dessau in eine künstlerische Auseinandersetzung mit Form, Struktur und Wahrnehmung und nimmt dann eine entscheidende Wendung. Mit der politischen Situation in den 1930er Jahren endet seine Lehrtätigkeit an der Landeskunstschule Hamburg. Er verliert den institutionellen Rahmen, in dem er gearbeitet hat, und zieht nach Cuxhaven. Im Watt, im Schlamm, im Wechsel von Ebbe und Flut richtet sich sein Blick auf Strukturen, die leicht übersehen werden: Linien im Sand, Spuren des Wassers und Muscheln. Seine Fotografien entstehen aus einer Form der Konzentration, die das Alltägliche neu sichtbar macht. Später erweitert er diesen Blick im Film. Über fünfzig Arbeiten entstehen, in denen Bewegung, Zeit und Rhythmus eine zentrale Rolle spielen. In dieser Biografie liegt auch eine Verbindung, die sich erst im Rückblick klarer zeigt. Dr. Jens Ehrhardt beschreibt die Kunst seines Vaters als eine Brücke. Eine Verbindung, die nicht über gemeinsame Zeit entstanden ist, sondern über das Werk selbst. Aus dieser Erfahrung heraus wächst die Entscheidung, dieses Werk nicht nur zu bewahren, sondern ihm wieder einen Ort zu geben – sichtbar, zugänglich und in Beziehung zur Gegenwart. Ein Blick in die Tiefe Ehrhardts Arbeiten entstehen aus einer Haltung heraus, die sich deutlich von dem unterscheidet, was heute oft als Bildproduktion verstanden wird. Es geht nicht um das schnelle Erfassen eines Motivs, sondern um ein genaues Beobachten, das sich Zeit nimmt und dadurch eine eigene Klarheit entwickelt. Sein Blick ist vom Bauhaus geprägt, von der Idee, dass Sehen ein aktiver Vorgang ist, der geschult werden kann. Diese Haltung zeigt sich in seinen Fotografien ebenso wie in seinen Filmen, in denen Bewegung, Struktur und Rhythmus eine zentrale Rolle spielen. Dass Alfred Ehrhardt heute wieder stärker wahrgenommen wird, hat mit mehreren Entscheidungen zu tun: mit der Arbeit einer Stiftung, die nicht nur bewahrt, sondern aktiv seine Werke zeigt und in den Dialog mit zeitgenössischen Positionen bringt; mit der Bereitschaft, Werke einzuordnen, ohne sie festzulegen; und mit der Initiative einer Familie, die Verantwortung übernimmt und daraus konkrete Schritte ableitet. Im Gespräch wird spürbar, dass diese Entscheidungen nicht selbstverständlich sind. Jens Ehrhardt beschreibt, wie die Kunst seines Vaters für ihn lange eine Form der Verbindung zu seinem Vater war, bevor daraus die Entscheidung entstand, dieses Werk öffentlich zugänglich zu machen. Gleichzeitig zeigt sich im Austausch mit Christiane Stahl, dass Sichtbarkeit auch Arbeit bedeutet: Recherche, Kontextualisierung, Ausstellungen und Vermittlung. Das Zusammenspiel dieser beiden Ebenen – persönliche Bindung und institutionelle Arbeit – macht den Unterschied. Und genau darin liegt auch die Aktualität dieser Folge: Kunst bleibt nicht von selbst sichtbar. Sie braucht Aufmerksamkeit, Entscheidungen und Orte, an denen sie wieder begegnet werden kann. Die Schwerpunkte des Gesprächs • Alfred Ehrhardt zwischen Musik, Bauhaus und fotografischem Blick • Natur als Struktur: Wattenmeer, Muscheln, Linien und Formen • Film als Erweiterung von Wahrnehmung und Zeit • Die Rolle der Alfred Ehrhardt Stiftung in der Wiederentdeckung des Werks • Jens Ehrhardt: persönliche Verbindung, Entscheidung und Verantwortung • Das Museum Ehrhardt in Plüschow als neuer Ort für dieses Werk Nach dieser Folge… Vielleicht verändert sich nach dem Hören dieser Folge ein wenig die Aufmerksamkeit und Wahrnehmung im Alltag: der Weg durch den Park, die Oberfläche einer Pfütze oder die Struktur einer Baumrinde treten möglicherweise bewusster in den Vordergrund. Links & Informationen Alfred Ehrhardt Stiftung, Berlin DJE Kapital AG, München Museum Ehrhardt, Plüschow Hören & Abonnieren Der Kunstpodcast Die Leichtigkeit der Kunst erscheint seit 2020 kostenfrei auf allen gängigen Plattformen. Abonniere den Podcast auf Spotify, Apple Podcasts oder YouTube und bleib mit der Leichtigkeit der Kunst verbunden. ︎ Kunstpodcast auf Spotify hören Die Leichtigkeit der Kunst auf Spotify hören ︎ Kunstpodcast bei Apple Podcasts Die Leichtigkeit der Kunst auf Apple Podcasts hören ︎ Kunstpodcast auf YouTube Die Leichtigkeit der Kunst auf YouTube hören Hinter den Kulissen Diese Episode entstand als persönliches Gespräch vor Ort in der Berlin und in München im April 2026. Interner Klick-Tipp Die Frage, wie Kunst sichtbar bleibt, stellt sich auch an anderer Stelle – etwa in Gesprächen über Stiftungsarbeit und Förderung, zum Beispiel in den Episoden mit der Stiftung Kunst, Kultur und Soziales der Sparda-Bank West Auch das Zusammenspiel von Archiv, Erinnerung und persönlicher Weitergabe wird in anderen Folgen sichtbar, etwa im Gespräch mit Julia Geiger und Rouven Lotz über Rupprecht Geiger im Emil Schumacher Museum in Hagen. Und wenn neue Orte für Kunst entstehen, geht es immer auch um Entscheidungen für die Zukunft – eine Perspektive, die im Gespräch mit Dr. Oliver Kornhoff zur Gründung des Museum Reinhard Ernst in Wiesbaden deutlich wird. Diese Folge ist Teil einer größeren Auseinandersetzung mit der Fotografie über zwei Jahrhunderte hinweg, dazu verweise ich gerne auf den Themenblock Fotografie innerhalb dieser Podcastreihe.

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  • #272
    April 3 · 44 min

    Alex Katz in der Kunsthalle Tübingen | Dr. Nicole Fritz | Kunstpodcast

    Das Glück des flüchtigen Augenblicks - bzw. kann ein Gemälde schneller sein als ein Gedanke? In der Kunsthalle Tübingen spricht Dr. Nicole Fritz über den „visuellen Optimismus“ von Alex Katz und die Ausstellung "Dancing with Reality"

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