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Theater Echo - Wir sehen Schwarz

Mable Preach, Miriam Ibrahim

Der Podcast von und mit UNS!

BIPoC Künstler*innen sprechen gemeinsam über Theater, Performance, Politik, Pop – und über Perspektiven jenseits des Mainstreams.

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German

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S1 · E13
September 8 · 1 hr 8 min
Weiße Witwe – ein kritischer Blick aus drei Perspektiven
Inhalt: Was passiert, wenn ein zeitgenössisches Theaterstück den Mythos von Tausendundeine Nacht überschreibt und dabei Fragen nach Islam, Orientalismus und westlichen Projektionen aufwirft? In dieser Folge von Theater Echo: Wir sehen Schwarz diskutieren Sarah Seini, Lara Duymuş und Berfin Orman über Kurdwin Ayubs „Weiße Witwe“ an der Volksbühne Berlin. Aus ihren Perspektiven als Künstlerinnen sprechen sie über Stereotype, Kostüm und Bühnenbilder, über Dekolonisierung und die Frage, wie muslimisch positionierte Künstlerinnen mit Bildern und Zuschreibungen umgehen. Dabei wird die Kritik auch persönlich: Welche Erfahrungen bringen sie selbst mit – und wie prägen ihre eigenen künstlerischen Arbeiten den Blick auf das Stück? Mit: Lara Duymuş ist eine türkische queere Bühnen- und Kostümbildnerin sowie Künstlerin. Nach ihrem Masterabschluss an der Universität der Künste Berlin arbeitet sie heute weiterhin sowohl in Istanbul als auch in Berlin und ist an Staatstheatern ebenso wie in der freien Szene tätig. Berfin Orman ist Regisseurin, Autorin und transnationale Künstlerin. Dabei verwebt sie ihre politische und künstlerische Praxis mit kollektiven und individuellen biografischen Reflexionen. Sie ist Mitglied des Internationalen Theaterinstituts und Alumni der ITI Academy. Im Rahmen der ITI Academy entwickelte sie fürs Theater der Welt 2023 die Performance „Me & White Supremacy“ und co-kuratierte die Konferenz „Conflict & Care - dispute as a part of transformation within the performing arts and its institutions“. Sarah Seini (1998 in Bochum geboren) ist eine queere Künstlerin nigrischer und polnischer Abstammung, die in Berlin lebt und arbeitet; ihre künstlerische Praxis bewegt sich zwischen Kostümbild, Bühnenbild, Performance und skulpturalem Textildesign. Sie absolvierte ihren Bachelor im Kostümbild an der Universität der Künste Berlin (UdK), führt dort derzeit ihr Masterstudium fort und beschäftigt sich in ihrer interdisziplinären Arbeit mit Mehrfachzugehörigkeiten, postkolonialen Identitäten, Fragmentierung und Queerness, wobei sie Kostüm als Raum von Erinnerung, Transformation und gesellschaftlicher Zuschreibung untersucht. Seit 2019 arbeitet sie freiberuflich für Theater, Film und Performance als Kostüm- und Bühnenbilderin. Grafikdesign: @wingtschong Präsentiert von: @salonebony_blacktheaternetwork @formationnow Kuration: M&M (Miriam Ibrahim & Mable Preach) Dieser Podcast wird gefördert von der Behörde für Kultur Hansestadt Hamburg Dieses Projekt ist gefördert von der Behörde für Kultur und Medien Hansestadt Hamburg Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.
S1 · E12
September 2 · 30 min
IT´S NOT WHAT YOU THINK, ALLOW ME TO CLARIFY
Inhalt: It´s not what you think, allow me to clarify ist ein Tanzstück, das einen Dialog über Umsiedlung, Flucht und Migration eröffnet – insbesondere für Menschen aus Entwicklungsländern und People of Color in Zeiten verschärfter Einwanderungspolitik. Das Stück lenkt den Blick auf „die andere Hälfte unserer Realität“ – auf Menschen aus zerstörten Nationen, die sich von kolonialen Unruhen und korrupter Führung erholen und dabei einen Kern von Potenzial, Ressourcen und Neubeginn in sich tragen. Yasmine Calasse beschäftigt sich konsequent mit den Folgen des Kolonialismus und nimmt mit ihrem Team eine differenzierte Perspektive auf das Thema Migration ein, entlarvt Stereotype und hinterfragt die Logik des „White Saviourism“. Yasmine Calasse ist eine südafrikanische zeitgenössische und Hip-Hop-Tänzerin, ausgebildet in der Dance Factory in Johannesburg und dem Peridance Center in New York City. Sie ist stark beeinflusst von der Streetdance-Szene, was sich nicht zuletzt im politischen und sozialen Bewusstsein ihrer Arbeiten zeigt. Als Choreografin arbeitet sie mit anderen Künstler*innen wie z.B. Willie Stark zusammen und führt Werke namhafter Choreografen auf, darunter Stephanie Thiersch, Ching Ching Wong, Ihsan Rustem, Jennifer Archibald, Elisabetta Minutoli, Rayboom and Jasmin Halper. Ihre Arbeit „Confinement” wurde in Kapstadt (Western Province Building für ICA 2020) ausgestellt. Yasmine Calasse ist Co-Produzentin von AFIA und Gründerin von ReIgnite Sessions. Mit: Yasmine Calasse, Mable Preach, Mimi Odoom Harder Foto “Yasmine Calasse” by Hakki Topcu Grafikdesign: @wingtschong Präsentiert von: @salonebony_blacktheaternetwork @formationnow Kuration: M&M (Miriam Ibrahim & Mable Preach) Dieser Podcast wird gefördert von der Behörde für Kultur Hansestadt Hamburg Dieses Projekt ist gefördert von der Behörde für Kultur und Medien Hansestadt Hamburg Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.
S1 · E11
September 2 · 42 min
Einblicke in die ersten Schritte von Quang Nguyễn-Xuân
Inhalt: Wie findet man seinen eigenen Weg ins Theater? In dieser Folge spricht Patty Kim Hamilton mit Quang Nguyễn-Xuân über die ersten Schritte als Theaterautor*in und Regisseur*in, das Schreiben zwischen dem Politischen und Intimen und die Auseinandersetzung mit vietnamesischer Diaspora. Ein persönlicher Einblick in künstlerische Anfänge, erste Arbeiten und die Frage, wohin der eigene Weg führt. Mit: Moderation: Patty Kim Hamilton ist Theaterautorin und Performance-Künstlerin. Sie arbeitet derzeit an ihrem Debütroman. Künstler*in: "Quang Nguyễn-Xuân (they) interessiert an der Schnittstelle von Theater, Performance und Text das Verhältnis zwischen dem Politischen und Intimen. Studiert aktuell Szenisches Schreiben an der Universität der Künste Berlin, davor Politikwissenschaft, Europäische Ethnologie und Sozialwissenschaften an der Universität Würzburg und Humboldt-Universität zu Berlin. Bisherige Auftragsarbeiten als Theaterautor*in in der freien Szene umfassen Hörst du mich? (aufgeführt im HochX München, Ballhaus Ost, Theater Bremen), Model Minority (ROXY Birsfelden, Treibstoff Theatertage Basel) und Ersatzverwandte (HochX, Theaterhaus Jena), jeweils Stückentwicklungen zur vietnamesischen Diaspora unter Regie von Benjamin Truong. Entwickelte 2026 mit Nam Anh Nguyễn Quốc Fiktionsbescheinigung – Rumours from the Fish Market (Berliner Ringtheater), eine Lecture Performance über die globale Integration Vietnams, soziale Aufstiegserzählungen sowie das brüchige Aufwachsen darin, für die Quang zum ersten Mal Regie führte. Arbeitet aktuell am ersten eigenen szenischen Text Resolve, der anhand des Vermächtnisses des Vietnam-Amerika Kriegs und der Beteiligung der westdeutschen Nachkriegsindustrie darin Motive von Trauma, Schuld, Erlösung, Wiedergeburt behandelt. Mitgründer*in des Poetry-Projekts tạt lon poetry. Wenn nicht gerade in Berlin, dann in Hồ Chí Minh City. www.quangnguyenxuan.com @einfach__quang Grafikdesign: @wingtschong Präsentiert von: @salonebony_blacktheaternetwork @formationnow Kuration: M&M (Miriam Ibrahim & Mable Preach) Dieser Podcast wird gefördert von der Behörde für Kultur Hansestadt Hamburg Dieses Projekt ist gefördert von der Behörde für Kultur und Medien Hansestadt Hamburg Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.
S1 · E10
August 19 · 47 min
Theater und Leadership als POC in Deutschland
Inhalt: Patty Kim Hamilon spicht mit Murat Dikenci und Dan Thy Nguyen über ihre langjährige Arbeit am Theater, den Wandel der postmigrantischen Theaterlandschaft und die Bedeutung des Ballhaus Naunynstraße. Es geht um Repräsentation, Macht, Verantwortung und die Frage: Wie kann ein diverses Theater der Zukunft aussehen? Mit: Moderation: Patty Kim Hamilton ist Theaterautorin und Performance-Künstlerin. Sie arbeitet derzeit an ihrem Debütroman. Gäste und Experten: Murat Dikenci, geboren in Hannover, studierte Angewandte Kulturwissenschaften in Lüneburg. Seit 2007 arbeitet er als Autor, Regisseur, Dramaturg, Kurator und Schauspieler an nationalen und internationalen Projekten. Seine Inszenierungen verbinden literarische Stoffe mit einer politisch-poetischen Ästhetik, darunter Sesperado – Revolution of Color (2016), YAHYA HASSAN (2022) und Die Gerächten (2023). Von 2021 bis 2023 war er Künstlerischer Leiter der Universen und Künstlerischer Vermittler am Schauspiel Hannover und prägte dort eine solidarische Bühne für eine diverse Stadtgesellschaft. Von 2023 bis 2026 leitete er das STUDIO Я am Maxim Gorki Theater und setzte Impulse für junge Regiehandschriften und ein neues, diverses Publikum. Zuletzt inszenierte er am Maxim Gorki Theater Fatma Aydemirs Ellbogen (2024), Etel Adnans To Be In A Time of War (2025) sowie Die Legende von Paul und Paula (2025) und Der Fremde am Salzburger Landestheater. Dan Thy Nguyen ist freier Theaterregisseur, Schauspieler, Schriftsteller und Sänger in Hamburg. Er arbeitete an diversen Produktionen u.a. In Ballhaus Naunynstraße, auf Kampnagel, dem Mousonturm Frankfurt, dem MDR und an der Deutschen Kammerphilharmonie Bremen. 2014 entwickelte und produzierte er das Theaterstück „Sonnenblumenhaus“ über das Pogrom von Rostock -Lichtenhagen, welches 2015 in seiner Hörspielversion die „Hörnixe“ gewonnen hat und bis heute noch an diversen Institutionen gespielt wird. Seit 2020 leitet er mit seiner Produktionsfirma Studio Marshmallow das Hamburger Festival "fluctoplasma - 96h Kunst Diskurs Diversität" und er ist stellvertretender Vorstand der LAG Kinder- und Jugendkultur Hamburg. 2021 erhielt er den Deutschen Hörspielpreis für seine schauspielerische Leistung. Grafikdesign: @wingtschong Präsentiert von: @salonebony_blacktheaternetwork @formationnow Kuration: M&M (Miriam Ibrahim & Mable Preach) Dieser Podcast wird gefördert von der Behörde für Kultur Hansestadt Hamburg Dieses Projekt ist gefördert von der Behörde für Kultur und Medien Hansestadt Hamburg Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.
S1 · E9
August 2 · 47 min
Ralph Tharayil and Meloe Gennai über Sprache, Text und Sprechen im Leben und im Theater
Inhalt: Was geschieht, wenn Sprache mehr als nur Kommunikation ist – wenn sie zu Erinnerung, Übersetzung, Gewalt, Widerstand und Heimat wird? In dieser Folge bewegen sich der Schriftsteller Ralph Tharayil und Lyriker*in Meloe Gennai zwischen Englisch und Deutsch und reflektieren über Sprache als Kultur, Performance und Macht. Gemeinsam erkunden sie das Schreiben, dramatische Texte, gesprochene Sprache, das Schweigen sowie die Unmöglichkeit – und Notwendigkeit – der Übersetzung. Sie fragen: Warum schreiben? Warum und wie für das Theater schreiben? Warum überhaupt Theater? Wer definiert Meisterschaft? Was bleibt von der Realität, sobald die Sprache gesprochen hat? Ein Gespräch über mehrsprachige Lebensentwürfe, asynchrones Denken, literarische Praxis und die Schönheit, nicht immer bei einer einzigen Antwort anzukommen. Mit: Meloe Gennai ist Dichter. Durch Zufall und getrieben von einer ungesunden Bewunderung für einen abwesenden Deutschlehrer beschloss er, obwohl er aus Genf stammt, Germanistik zu studieren. Anschließend wandte er sich dem Rechtstudium zu und studierte später Diplomatie. Er bemüht sich bis heute, dies in die Praxis umzusetzen, insbesondere als Mitglied von x collective x, einem Verein, der queere, trans- und/oder behinderte of African Descent und Native Autor*innen zusammenbringt und veröffentlicht. Ralph Tharayil, geboren in der Schweiz als Sohn südindischer Eltern, studierte Geschichte, Medien- und Literaturwissenschaft in Basel. Er arbeitet interdisziplinär mit Text. 2023 erschien sein von der Kritik gelobter und mehrfach ausgzeichneter Debütroman Nimm die Alpen weg, der 2024 an den Bühnen Bern uraufgeführt wurde. 2027 erscheint das Buch unter dem Titel Roll Back the Mountains in der Übersetzung von Jon Cho-Polizzi bei Seagull Books. Mit Ivna Žic und Henri Michel Yéré kuratiert er seit 2024 am Literaturhaus Basel die kritische Gesprächsreihe Second Thoughts. Gemeinsam mit dem Soziologen Ido Nahari forscht er zum Begriff des Unheimlichen/unsettling aus einer antikolonialen Perspektive. Als Teil des von Pro Helvetia geförderten Co-Creation Grants forscht er mit dem Autor und Kurator Indranjan Banerjee zur Verkörperung von Grenzen in den Alpen und im Himalaya. Ralph ist Teil des post-deutschen Künstler*innenkollektivs parallelgesellschaft, er lebt in Berlin. Grafikdesign: @wingtschong Präsentiert von: @salonebony_blacktheaternetwork @formationnow Kuration: M&M (Miriam Ibrahim & Mable Preach) Dieser Podcast wird gefördert von der Behörde für Kultur Hansestadt Hamburg Dieses Projekt ist gefördert von der Behörde für Kultur und Medien Hansestadt Hamburg Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.
S1 · E8
July 28 · 45 min
The Afterparty of “Kassandra: coming of age at the end of the world”
Inhalt: Was passiert eigentlich nach der Premiere? Wenn der Applaus verklungen ist und die Anspannung langsam nachlässt? Schauspieler Calvin-Noel Auer spricht mit Regisseurin und Co-Intendantin Azeret Koua über ihren Weg ans Theater, künstlerische Freiheit, die Verantwortung des Erzählens und ihre gefeierte Inszenierung „Kassandra: coming of age at the end of the world“ am Theaterhaus Jena. Gemeinsam werfen sie einen Blick hinter die Kulissen einer Premiere und sprechen über Zweifel, Visionen und die Frage, wie Theater heute von Krisen, Zukunft und Widerstand erzählen kann. Ein persönliches Gespräch über Kunst, Haltung und das, was bleibt, wenn der Vorhang fällt. Mit: Azeret Koua (sie/ihr; 1993* in Detroit) ist Regisseurin, wuchs als Third-Culture-Kid mit vielen Sprachen und noch mehr Fragen in den USA, Deutschland und China auf und landete über Umwege (Theaterwissenschaft und Kunstgeschichte an der LMU München, Assistenzen am Schauspiel Dortmund und Residenztheaterin München) in der künstlerischen Leitung des Theaterhaus Jena (2024–26). Auf der Bühne interessiert sie sich für alles, worüber man* lieber nicht spricht: tabuisierte Reibungspunkte aus Gesellschaft und Politik, überhörte Narrative, misrepräsentierte Sichtweisen. Ihr Werkzeugkoffer: Popkultur, Surrealismus, Musik und ein Humor, der sich weigert, brav zu sein. Azeret's Arbeiten kreisen um Freiheit — von Systemen, Normen, und gelegentlich von sich selbst. 2025 war ihre Inszenierung rhapsody beim Radikal Jung Festival eingeladen, und sie wurde in Theater Heute als Beste Nachwuchskünstlerin nominiert. Die Freiheit hat sie noch nicht gefunden - vermutlich versteckt sie sich in der nächsten Produktion. Calvin-Noel Auer (er/ihn) wurde 1995 in Schwetzingen geboren und ist in Lüneburg aufgewachsen. Nach dieser ersten kleinen Identitätskrise ging es ins Ruhrgebiet, um an der Folkwang Universität der Künste von 2017 bis 2021 den Beruf des Schauspielers zu erlernen. Mit der Bochumer Lebensart im Gepäck und der Lust, im Beruf „jetzt so richtig loszulegen“, fand er in der Pandemie seinen Gegner. Aber nach getaner Home-Office-Diplomarbeit ging es für ihn als Gast ans Hessische Staatstheater Wiesbaden („Kleiner König Kalle Wirsch“) und zurück in den Norden ans Theater Kiel („Der Schimmelreiter“ und „Don Karlos“). Dort stellte er fest, dass er sich als Nordlicht identifiziert – mit ein paar Ruhrpott-Einschlägen im Herzen. Dann ging es zum ersten Mal in den Osten, nach Thüringen, ans Deutsche Nationaltheater Weimar, wo er seit der Spielzeit 2022/23 zum festen Ensemble gehört und in verschiedenen Projekten („Othello“, „Werther“, „Fabian oder Der Gang vor die Hunde“, u.v.a.) zu sehen ist. Und wenn nicht im Theater, dann bei Koi 7 mit der Nummer 2 mit Gemüse. Grafikdesign: @wingtschong Präsentiert von: @salonebony_blacktheaternetwork @formationnow Kuration: M&M (Miriam Ibrahim & Mable Preach) Dieser Podcast wird gefördert von der Behörde für Kultur Hansestadt Hamburg Dieses Projekt ist gefördert von der Behörde für Kultur und Medien Hansestadt Hamburg Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.
S1 · E7
July 28 · 32 min
Staying Strong As A Black Director In White Theaters
Inhalt: What does it take to create bold, uncompromising theatre in spaces where you are often the exception rather than the norm? Host Benedicta Delali Agbeko sits down with award-nominated director Azeret Koua to talk about identity, artistic freedom, and navigating Germany's predominantly white theatre landscape. From growing up between cultures to reimagining the myth of Cassandra through BASSANO, Azeret reflects on the power of untold stories, the politics of representation, and why theatre must confront the conversations society would rather avoid. Together, they explore creative belonging, resilience, and what it means to keep making fearless art—even when the system isn't built for you. Mit: Benedicta Delali Agbeko is a Ghanaian creative entrepreneur, cultural strategist, and Co-founder of BLK STAR NOIR. She works with innovative projects at the intersection of art, fashion, culture, and community development, using creativity to preserve African heritage and empower emerging talent. Passionate about social impact and international collaboration, she is committed to creating opportunities that strengthen communities and showcase Ghanaian creativity on the global stage. Azeret Koua (she/her; born 1993 in Detroit) is a director who grew up as a "third-culture kid"—surrounded by many languages and even more questions—in the USA, Germany, and China. After a winding path (studying Theatre Studies and Art History at LMU Munich, followed by assistantships at Schauspiel Dortmund and the Residenztheater in Munich), she joined the artistic leadership team at Theaterhaus Jena (2024–26). On stage, she focuses on the subjects people prefer not to discuss: social and political taboos and points of friction, overlooked narratives, and misrepresented perspectives. Her toolkit includes pop culture, surrealism, music, and a brand of humor that refuses to play nice. Azeret’s work revolves around freedom—freedom from systems, norms, and occasionally, from herself. In 2025, her production *rhapsody* was invited to the Radikal Jung Festival, and she was nominated as Best Emerging Artist by *Theater Heute*. She hasn’t found that freedom yet—it is likely hiding in her next production. Grafikdesign: @wingtschong Presented by: @salonebony_blacktheaternetwork @formationnow Curation: M&M (Miriam Ibrahim & Mable Preach) This podcast is funded by the Authority for Culture of the Free and Hanseatic City of Hamburg. (Dieser Podcast wird gefördert von der Behörde für Kultur Hansestadt Hamburg) Dieses Projekt ist gefördert von der Behörde für Kultur und Medien Hansestadt Hamburg Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.
S1 · E6
July 14 · 55 min
BLACK OPERA
Kann Oper dekolonial, futuristisch und radikal sein? In dieser Folge von Theater Echo – wir sehen Schwarz spricht Miriam Ibrahim mit Regisseurin, Choreografin und Kuratorin Mable Preach sowie Performancekünstlerin, Komponistin und Theatermacherin Brandy Butler über Black Opera als künstlerische Praxis des Widerstands, der Transformation und der Hoffnung. Ausgehend von Mable Preachs Opera of Hope und Brandy Butlers Mitosis – Eine LSD Oper sprechen sie über die Dekolonisierung des Hörens, Afrofuturismus, Klang als politische Sprache und die Frage, wie Oper neue Geschichten von Schwarzsein, Queerness, Migration, Gemeinschaft und Zukunft erzählen kann. Ein Gespräch über Kunst, die Grenzen verschiebt. Expertinnen: Brandy Butler is a performer, composer, and theater director whose work spans music, theater, movement, original composition, and socially engaged performance. A former ensemble member of Theater Neumark (2019 - 2024) and a current ensemble member of Theater Freiburg since 2025, she holds a Bachelor's degree in Jazz Flute and a Master's degree in Music Education. Her compositions and performance works reflect a persistent inquiry into embodiment, narrative, and social reflection. Her works include the solo work Avoirdupois, which explored weight as both physical and psychological terrain; Red, a modern retelling of Little Red Riding Hood using mixed media storytelling in elementary-age performance contexts; and Mitosis: an LSD Opera, which was a modern opera exploring death and grief. Her newest work, WOVEN, about Trans Racial Adoption, is set to premiere in 2027. In addition to her institutional work creating projects such as Drag Story Time, Protest Academy, and Enterspaces maintains an active international touring and independent practice touring with artists such as Jeremy Nedd and Ntando Cele. Mable Preach ist eine in Hamburg lebende Regisseurin, Choreografin und Kuratorin mit ghanaischem Hintergrund. In ihrer künstlerischen Arbeit setzt sie sich intensiv mit Themen wie Rassismus, Kolonialismus und Empowerment auseinander. Durch intersektionale und afrofuturistische Ansätze gelingt es ihr, komplexe gesellschaftliche Fragestellungen in ihren Inszenierungen zu beleuchten und neue Perspektiven zu eröffnen. Als studierte Medienmanagerin hat sie zahlreiche Inszenierungen realisiert, insbesondere auf Kampnagel Hamburg und im Schauspiel Hannover. Zu ihren jüngsten Regiearbeiten zählen I AM. WE ARE (2023) und K(NO)W BLACK HEROES (2023/24). Viele ihrer Theatertexte stammen aus ihrer eigenen Feder – sie versteht sich als schreibende Regisseurin, die ihre Visionen nicht nur inszeniert, sondern auch textlich formt. 2022 wurde sie für den renommierten Faust-Preis in der Kategorie "Genresprenger" nominiert. Neben ihrer Theaterarbeit engagiert sich Preach stark für die Förderung junger BIPoC-Künstler*innen. Sie ist Initiatorin des urbanen Jugendfestivals FORMATIONNOW sowie Gründerin des Kultur- und Jugendvereins Lukulule. Bis Ende 2024 war sie dort im Vorstand aktiv. Mit Projekten wie flüchtLINK, dem Black Gurl Magic Festival und der Theaterfactory-Projektwoche an Schulen schafft sie Plattformen für marginalisierte Stimmen. 2024 gründete sie The Choir of Uncivilized Voices, ein künstlerisches Kollektiv, das Stimmen von BIPoC-Künstlerinnen und Aktivistinnen zusammenführt, um gesellschaftspolitische Themen durch Gesang und Performance erfahrbar zu machen. Ihre Arbeiten wurden international präsentiert, unter anderem in den USA, Chile und Deutschland. Mit der performativen Musikinstallation APHRO SPACE PHUNK sowie der jüngsten Produktion OPERA OF HOPE (2025, Kampnagel Hamburg) setzt sie neue künstlerische Impulse in der deutschen Theaterszene. Mable Preach ist eine Stimme für soziale Gerechtigkeit und kulturelle Vielfalt, die mit ihren Projekten künstlerische Innovation, gesellschaftspolitisches Engagement und literarische Eigenständigkeit verbindet. Host: Miriam Ibrahim ist Regisseurin, Kuratorin von Theater Echo. Dieses Projekt ist gefördert von der Behörde für Kultur und Medien Hansestadt Hamburg Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.
S1 · E5
May 11 · 49 min
Cringe, Horror, Hoffnung: Ein Deep Dive mit Lamin Leroy Gibba
In dieser Folge begrüßen Miriam Ibrahim und Sarah Claire Ray Lamin Leroy Gibba, einen der vielseitigsten Künstler der aktuellen deutschen Kulturszene. Als Schauspieler, Autor, Regisseur und Produzent lässt sich Lamin nicht in eine Schublade stecken und erläutert im Gespräch, warum multidisziplinäres Arbeiten kein Widerspruch, sondern eine notwendige Befreiung darstellt. Lamin bietet dabei Einblicke in seine Arbeiten am Maxim Gorki Theater, darunter die durch das Genre Horror inspirierte Produktion „Die Zwillinge“ (2026) sowie die berührende May-Ayim-Hommage „Blues in schwarz-weiß“ (2025). Darüber hinaus thematisiert Gibba in einem ehrlichen Austausch Machtstrukturen im Kulturbetrieb, die Verantwortung gegenüber dem Publikum und die dringende Sehnsucht nach einer größeren Vielfalt und Repräsentanz Schwarzer Lebensrealitäten auf der Bühne. Er beleuchtet zudem die Magie des Absurden in seinem Stück „Doppeltreppe zum Wald“ und erklärt, warum eine Besetzung mit neun Schwarzen Charakteren in der deutschen Theaterlandschaft noch immer als revolutionär gelten muss. Lamin nimmt uns mit auf eine Reise durch seine Figurenwelt voller „Cringe-Momente“, radikaler Nacktheit und tiefer Menschlichkeit – ein absolutes Muss für alle, die die Zukunft des afrodeutschen Erzählens miterleben wollen. Gäst:innen: Lamin Leroy Gibba Lamin Leroy Gibba ist Schauspieler, Autor und Filmemacher. Nach seinem Studium an der New School for Drama in New York folgten Engagements an Häusern wie dem Classical Theatre of Harlem, Kampnagel und dem Ballhaus Naunynstraße. Internationale Erfolge feierte er mit dem Kurzfilm Hundefreund sowie als Creator und Hauptdarsteller der ARD-Serie Schwarze Früchte (2025), die 2025 mit dem Deutschen Serienpreis ausgezeichnet wurde. Sein Theaterwerk umfasst preisgekrönte Texte wie u.a. Doppeltreppe zum Wald, entstanden in der Ballhaus Naunynstraße Schreibwerkstatt unconventional signs, sowie die von Joanna Tischkau inszenierte Produktion Die Zwillinge (2026). Als Regisseur inszenierte er May Ayims Gedichtsband blues in schwarz-weiß (2025) am Maxim-Gorki-Theater und zuletzt Lennart Kos' Balance und Harmony (2026) an den Münchner Kammerspielen. Gibba verknüpft in seinem Schaffen eine profunde Auseinandersetzung mit afrodeutscher Geschichte mit visionärer Kraft für die darstellenden Künste. Sarah* Claire Wray Sarah* Claire Wray hat Regie an der Ernst Busch in Berlin studiert. They schreibt Lyrik, Drehbücher und Essays und wurde u.A. im WETTER Magazin veröffentlicht. Zuletzt hat they Regie am Schauspielhaus Zürich geführt bei der Uraufführung des Stücks STÜTZLIWÖSCH SUPERTRANS TRE, dass Kay Matter geschrieben hat. Sarahs* thematischer Fokus liegt auf der Intersektion zwischen Gender, Race und Klasse Dieses Projekt ist gefördert von der Behörde für Kultur und Medien Hansestadt Hamburg Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.
S1 · E4
Nov 27, 2025 · 24 min
Black Hair Politics Pt. 2
Teil 2 In dieser Folge vom TheaterECHO deckt Miriam mit Gäst:innen Alyssia, Danielle, Andy und Benita einen blinden Fleck der deutschen Theaterlandschaft auf, der weit über bloßes Styling hinausgeht. Die Runde spricht schonungslos offen über einen „Teufelskreis aus Scham und Druck“: von eurozentrisch geprägten Ausbildungen, in denen Biedermeier-Perücken wichtiger scheinen als Afro-Texturen, bis hin zu kolonialen Schönheitsidealen, die glattes Haar als das einzig „Ordentliche“ diktieren. Sie teilen persönliche (Bad) Hair-Moments, plaudern aus dem Nähkästchen der Maskenbildnerei und erklären, warum falscher Stolz oft mehr Schaden anrichten kann als Unwissenheit und die Transparenz darüber. Diese Folge wird moderiert von Miriam Ibrahim. Zu Gast sind: Andrea Barba - Kostümbildnerin und Ausstatterin Alyssia Achille - Maskenbildnerin Hair Makeup und SFX Benita Sarah Bailey - Schauspielerin und Filmemacherin Danielle Piragibe - Maskenbildnerin Hair Makeup & Lehrbeauftragte Dieses Projekt ist gefördert von der Behörde für Kultur und Medien Hansestadt Hamburg Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.
S1 · E3
Nov 27, 2025 · 46 min
Black Hair Politcs Pt. 1
Teil 1 In dieser Folge vom TheaterECHO deckt Miriam mit Gäst:innen Alyssia, Danielle, Andy und Benita einen blinden Fleck der deutschen Theaterlandschaft auf, der weit über bloßes Styling hinausgeht. Die Runde spricht schonungslos offen über einen „Teufelskreis aus Scham und Druck“: von eurozentrisch geprägten Ausbildungen, in denen Biedermeier-Perücken wichtiger scheinen als Afro-Texturen, bis hin zu kolonialen Schönheitsidealen, die glattes Haar als das einzig „Ordentliche“ diktieren. Sie teilen persönliche (Bad) Hair-Moments, plaudern aus dem Nähkästchen der Maskenbildnerei und erklären, warum falscher Stolz oft mehr Schaden anrichten kann als Unwissenheit und die Transparenz darüber. Diese Folge wird moderiert von Miriam Ibrahim. Zu Gast sind: Andrea Barba - Kostümbildnerin und Ausstatterin Alyssia Achille - Maskenbildnerin Hair Makeup und SFX Benita Sarah Bailey - Schauspielerin und Filmemacherin Danielle Piragibe - Maskenbildnerin Hair Makeup & Lehrbeauftragte Dieses Projekt ist gefördert von der Behörde für Kultur und Medien Hansestadt Hamburg Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.
S1 · E2
Oct 17, 2025 · 39 min
Ntando Cele - Wasted Land
*Diese Folge ist in ENG* In dieser Folge von Theater Echo – wir sehen Schwarz sprechen Daniele und Miriam mit der Regisseurin und Theatermacherin Ntando Cele. Sie erzählt über ihren Weg von Südafrika nach Europa und darüber, wie Themen wie Rassismus, Zugehörigkeit und Klimakrise in ihre Arbeit einfließen und ihr Werk „Wasted Land“. Wasted Land verbindet Chor, Performance, Musik, Video, Humor und Mode. Die Inszenierung wirkt chaotisch und kraftvoll zugleich und eröffnet neue Blicke auf Erinnerung, Würde und Zukunft. Im Gespräch erzählt Cele, wie sie den künstlerischen Prozess gestaltet, welche Verantwortung sie gegenüber ihren Performerinnen spürt und warum es ihr wichtig ist, sichere Räume für Schwarze Künstlerinnen zu schaffen. Ntando Cele Die in Bern lebende südafrikanische Künstlerin Ntando Cele entwickelt seit 2005 Theater- und Performanceprojekte in Afrika und Europa. In ihren Arbeiten löst sie die Grenzen zwischen physischem Theater, Videoinstallation, Stand-up-Comedy und Performance virtuos auf. 2014 gründete sie zusammen mit Raphael Urweider und Simon Ho die Kompanie Manaka Empowerment Prod, mit der sie sich auf humorvolle und charmante Weise mit Identität, Rassismus und Stereotypen auseinandersetzt und unterschiedliche Perspektiven aufzeigt. The South African artist Ntando Cele, who lives in Bern, has been developing theatre and performance projects in Africa and Europe since 2005. In her work, she dissolves the boundaries between physical theatre, video installation, stand-up comedy and performance with virtuosity. In 2014, together with Raphael Urweider and Simon Ho, she founded Manaka Empowerment Prod, a company that addresses identity, racism, and stereotypes in a humorous and charming manner, showcasing different perspectives. Dr. Dr. Daniele Daude Dr. Dr. Daniele G. Daude is a French-German scholar and dramaturge. After graduating with honours in violin and chamber music from the Conservatoire National (Aubervilliers region), Daniele G. Daude studied musicology in Paris and opera direction at Hanns Eisler. Daniele G. Daude completed their first doctorate in Theatre Studies at the Freie Universität Berlin in 2011, specialising in performance analysis, and their second doctorate in Musicology at the Université Paris 8 in 2013, specialising in opera analysis. Since 2008, Daniele G. Daude has been teaching at German and French universities. They founded and led the community Choir Com Chor Berlin (2013-2023) and founded The String Archestra (2016-) to perform works by Black, Indigenous and PoC composers that have been erased from a canonical musical historiography and a standardised concert repertoire. In 2021, The String Archestra received the TONALi Award for its long-standing work. Daniele G. Daude has been working as a lecturer and dramaturge for concert, opera and theatre since 2016, currently teaching at Berlin Universität der Künste. Dieses Projekt ist gefördert von der Behörde für Kultur und Medien Hansestadt Hamburg Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.
S1 · E1
Sep 2, 2025 · 37 min
Joana Tischkau - ''Ich nehm dir alles weg''
In dieser Folge von Theater Echo – wir sehen Schwarz steht die Arbeit von Joana Tischkau im Mittelpunkt. Ihr Stück „Ich nehme dir alles weg - Ein Schlagerballett'' verwandelt die Bühne in ein Experimentierfeld zwischen Tanz, Popkultur und politischer Erinnerung. Gemeinsam im Gespräch mit Mable und Miriam erzählt Joana über ihre ersten Berührungspunkte mit dem Theater und Performance, sie diskutieren über Wege des Scheitern, Umwege und den Willen, trotz widriger Umstände weiterzumachen. Sie spricht über die Entstehung des Schlagerballetts: von der Recherche, dem Deutschen Museum für Schwarze Unterhaltung, der Auseinandersetzung mit Roberto Blanco bis hin zu den Methoden von Pina Bausch. Zwischen Schlager, Humor und Schmerz verhandelt Tischkau Fragen von Rassismus, kollektiver Erinnerung und künstlerischer Freiheit. Auch die Arbeit im Ensemble rückt in den Fokus. Vertrauen, Reibung und die Suche nach Leichtigkeit im schweren Stoff zeigen, wie Theater zugleich künstlerischer Prozess und soziales Gefüge ist. Dieses Projekt ist gefördert von der Behörde für Kultur und Medien Hansestadt Hamburg Hosted on Acast. See acast.com/privacy for more information.

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