TV & FilmFilm Interviews

Par-Impar

esRadio

Par Impar son Juanma González y Dani Palacios, que comentan todas las películas, series y otros aspectos de cultura popular que se te puedan ocurrir. Todo con invitados, música, y mucho sentido del humor.

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28 episodes
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Friday · 1 hr 17 min
'Hostage' (2005), la mejor película de Bruce Willis que nadie ha visto
Análisis del vibrante thriller donde Bruce Willis encarna a un negociador al límite. Claves de una obra oscura cargada de suspense. En esta entrega del podcast Par Impar, Dani Palacios y Juanma González analizan en profundidad Hostage, largometraje dirigido en 2005 por el cineasta francés Florent-Emilio Siri. Los presentadores reivindican este título como una de las mejores películas de Bruce Willis y, al mismo tiempo, una de las más injustamente olvidadas de su filmografía, situada en una época en la que el actor todavía se involucraba al máximo en proyectos con personalidad y músculo cinematográfico. La trama sigue a Jeff Talley, un antiguo negociador de rehenes de Los Ángeles que, tras un traumático error en el que mueren una mujer y su hijo pequeño, decide huir del estrés metropolitano y refugiarse como jefe de Policía en el apacible pueblo de Bristo Camino. Sin embargo, su retiro se trunca cuando tres jóvenes delincuentes asaltan la lujosa vivienda fortificada de un contable vinculado al crimen organizado. Para complicar aún más la situación, una peligrosa mafia secuestra a la familia de Talley para obligarlo a recuperar un soporte digital con información confidencial, convirtiendo al propio agente en un rehén moral y operativo atrapado en una encrucijada sin salida limpia. A lo largo de la conversación se destaca la brillante puesta en escena de Florent-Emilio Siri, quien traslada al cine estadounidense la visceralidad y el pulso visual del cine de acción europeo de principios de siglo. Lejos de conformarse con las fórmulas convencionales de Hollywood, la cinta destaca por sus planos aéreos rodados en helicóptero antes de la popularización de los drones, el uso dramático de la cámara lenta y la cuidada fotografía firmada por Giovanni Fiore Coltellacci, todo ello arropado por una magnífica e inusual banda sonora compuesta por Alexandre Desplat. Uno de los mayores atractivos del filme es su constante mutación de géneros. Aunque parte como un clásico drama de toma de rehenes y negociación policial, deriva con rapidez hacia la invasión doméstica con tintes de terror psicológico y el thriller de conspiración mafiosa. Los directores trazan paralelismos con hitos como Jungla de cristal —al invertir la posición de Willis respecto a los conductos de ventilación y el asedio— y con La habitación del pánico de David Fincher, señalando cómo la opresión arquitectónica de la mansión acentúa el aislamiento de las víctimas y la implacable crudeza del relato. En el plano interpretativo, se elogia con entusiasmo el trabajo de Ben Foster encarnando al psicópata Mars Krupcheck, un papel desquiciado que catapultó su carrera especializada en perfiles siniestros. Su personaje, descrito por los contertulios como una suerte de Joker sin concesiones que únicamente busca la destrucción por placer, contrasta con la desesperación de los otros dos asaltantes juveniles —interpretados por Jonathan Tucker y Marshall Allman— y la vulnerabilidad de los niños retenidos en la casa, subrayando un retrato desolador de la violencia que rehúye cualquier atisbo de edulcoramiento comercial. La crudeza es, precisamente, el rasgo diferencial de Hostage: la película no esquiva la agonía de los inocentes, las muertes a sangre fría ni el impacto doloroso de cada disparo. Dani Palacios y Juanma González valoran que el protagonista no sea un héroe infalible, sino un hombre roto y dubitativo que comete fallos tácticos y se ve obligado a engañar a menores para intentar salvar a los suyos, consolidando un sobrio ejercicio de suspense que desafió las expectativas del público medio de acción y cosechó una taquilla modesta. El programa concluye con una encendida defensa del coleccionismo en formato físico frente a la volatilidad de los catálogos en las plataformas de emisión en continuo, recordando anécdotas sobre préstamos de películas y rememorando momentos icónicos del metraje como el asalto final envuelto en llamas, que corona a la película como una obra de culto imprescindible para los aficionados al cine policíaco.
September 25 · 1 hr 19 min
'El Bosque' (2004) con Hugo Stuven: la obra incomprendida de Shyamalan
El realizador de 'Solo' analiza el trasfondo político y la madurez de una pieza de culto que fue castigada por las expectativas del público. En este nuevo episodio del pódcast cinematográfico de esRadio, los presentadores Juanma González y Dani Palacios reciben a un invitado muy especial: el director de cine Hugo Stuven. La conversación gira en torno a su último largometraje, El Nido, protagonizado por Michelle Jenner, y sirve de puente para analizar en profundidad uno de los grandes clásicos del suspense moderno: la película El Bosque, dirigida por M. Night Shyamalan en el año 2004. Los tertulianos recuerdan el gran impacto y la posterior división de opiniones que generó El Bosque en su estreno. El film fue comercializado erróneamente como una película de terror convencional, lo que frustró a muchos espectadores que esperaban un festival de sustos al estilo de El Sexto Sentido. Sin embargo, con el paso de los años y sucesivos visionados, la cinta ha sido reivindicada como una obra maestra del drama psicológico y el suspense, donde el verdadero monstruo no es sobrenatural sino humano. Uno de los aspectos técnicos más alabados durante la charla es la soberbia dirección de fotografía a cargo de Roger Deakins. Stuven y los presentadores detallan cómo la película utiliza un estricto código de color para narrar la historia de forma subliminal: el color amarillo representa la protección y la seguridad de la aldea, mientras que el color rojo simboliza el peligro, la transgresión y la atracción hacia lo prohibido. Esta meticulosa planificación visual dota a la obra de un aire pictórico casi invernal. Hugo Stuven destaca los paralelismos temáticos entre El Bosque y su propio largometraje, El Nido. Ambas películas abordan el concepto del miedo heredado y la sobreprotección paterna. En la obra de Shyamalan, los fundadores de la aldea crean una mentira colectiva en forma de monstruos para aislar a sus hijos de la maldad del mundo exterior, construyendo un nido metafórico. Stuven reflexiona sobre cómo esta sobreprotección y el aislamiento voluntario acaban engendrando, paradójicamente, la misma violencia de la que intentan huir. Durante la conversación se analiza la economía narrativa del director indio, capaz de transmitir complejas emociones y giros de guion a través de la puesta en escena, sin necesidad de recurrir a diálogos explicativos. Se resalta el uso de la elipsis visual y la planificación de los planos por encima del montaje frenético. Los colaboradores comparan este estilo pausado y elegante con la forma en que los directores clásicos utilizaban la cámara para guiar la mirada del espectador y generar una atmósfera asfixiante. El análisis actoral se detiene en el personaje de Noah, interpretado de forma brillante por Adrien Brody. Los tertulianos comentan cómo el personaje más inocente y vulnerable de la comunidad es el que termina cometiendo el acto de violencia más terrible, lo que demuestra la tesis del film sobre la inevitabilidad de la maldad humana. También se elogia el trabajo de Joaquin Phoenix y Bryce Dallas Howard, quienes logran transmitir una de las tramas románticas más sinceras de la filmografía del director. Stuven comparte algunos de los entresijos técnicos del rodaje de El Nido, destacando su preferencia por la planificación cuidada y los planos secuencia complejos sobre el uso abusivo de la cámara en mano. En particular, describe un plano hitchcockiano que atraviesa un espejo para rodar a los protagonistas reflejados, una proeza técnica que requirió mover paredes y cámaras de gran tonelaje, evidenciando su búsqueda de un cine elegante y sofisticado que beba de los grandes maestros del suspense. Para finalizar, Hugo Stuven revela detalles sobre sus futuros proyectos profesionales, que incluyen una serie documental para la plataforma Movistar y la escritura de una nueva película de terror psicológico en colaboración con la actriz Michelle Jenner. El programa se despide con su habitual recomendación musical, en esta ocasión el tema de la banda estadounidense The White Buffalo, invitando a los oyentes a continuar la conversación en las plataformas digitales de esRadio.
September 18 · 1 hr 30 min
Vacaciones Santillana: popurrí de lo último que hemos visto en verano
Programa variado en el que Juanma y Dani conversan sobre las últimas películas que han visto durante sus respectivas vacaciones de verano. En este nuevo episodio de Par en Par, emitido en esRadio, Juanma González y Dani Palacios regresan con su habitual frescura para repasar las producciones cinematográficas que han marcado sus vacaciones estivales. La charla comienza con un análisis de The Surfer, una película de intriga psicológica ambientada en Australia y protagonizada por el incombustible Nicolas Cage. Los presentadores coinciden en que, a pesar de ser una propuesta un tanto delirante y predecible a partir de la mitad de su metraje, la entrega física y el carisma del actor estadounidense aportan un valor añadido indiscutible a la cinta, salvando algunos de sus momentos más flojos. Posteriormente, el foco de atención se traslada al reciente trabajo del cineasta británico Guy Ritchie titulado In the Grey. Protagonizada por Henry Cavill y Jake Gyllenhaal, la película es objeto de un debate sobre el desgaste del estilo característico del director. Los críticos señalan que, aunque la tensión está bien administrada y resulta entretenida, la fórmula del director empieza a mostrar signos de fatiga. Aprovechando el análisis, recuerdan su anterior obra, The Covenant, y elogian la versatilidad de la Comunidad Valenciana como plató de rodaje, demostrando la pujanza del sector del cine en España al transformar paisajes alicantinos en la abrupta geografía afgana. La nostalgia de los años noventa llega de la mano de Prácticamente Magia, la recordada comedia de brujas protagonizada por Sandra Bullock y Nicole Kidman. Con motivo de los rumores sobre una posible secuela, los locutores rememoran los puntos fuertes de la película original dirigida por Griffin Dunne. A pesar de que en su estreno no gozó de un gran éxito comercial, destacan cómo el paso del tiempo la ha convertido en un título de culto gracias a la excelente química entre sus protagonistas y a una atmósfera que combina con acierto el drama familiar y la comedia fantástica. El cine de terror patrio tiene su espacio con El Nido, una producción de Filmax encabezada por Michelle Jenner. Dedicada a la memoria de Julio Fernández, la película destaca por su atmósfera opresiva y rural, que los presentadores comparan formalmente con cintas como The Witch. Aunque la trama transita por senderos predecibles dentro del subgénero del melodrama de terror, Juanma González valora positivamente su factura visual y el esfuerzo por construir una tensión latente, augurando un buen recorrido para la producción en el mercado de las plataformas digitales. En el ámbito del cine independiente, Dani Palacios destaca la grata sorpresa que ha supuesto Luger, una modesta película española dirigida por Bruno Martín. Con un reparto liderado por David Said, la historia se desarrolla por completo en un polígono industrial, adoptando una narrativa criminal deudora de los primeros trabajos del cine británico de gángsters. Los presentadores elogian la crudeza y autenticidad de sus diálogos, así como la capacidad de su director para retratar con fidelidad el ambiente de la periferia urbana española sin caer en la caricatura. Por otro lado, los locutores dedican grandes elogios a la producción argentina El Robo del Siglo (2020), protagonizada por los reconocidos actores Guillermo Francella y Diego Peretti. Basada en el famoso atraco real a una sucursal bancaria, la cinta es calificada como excelente por su equilibrio entre el suspense y el humor inteligente. Durante la conversación, se destaca el talento natural del cine argentino para dar vida a personajes memorables y para mantener un ritmo ágil que atrapa al espectador desde el primer minuto de metraje. Para concluir, se analiza El Drama, un proyecto amparado por la productora A24 con Zendaya y Robert Pattinson al frente del reparto. Tras debatir sobre el cinismo en las relaciones de pareja y las expectativas que genera esta producción, los críticos cierran el programa con sus habituales teorías cinematográficas. En esta ocasión, vinculan el diseño de producción de películas míticas como El Ansia o La Escalera de Jacob con el talento del director artístico Brian Morris, reivindicando la importancia de la estética visual por encima, en ocasiones, del propio guion.
September 11 · 1 hr 21 min
'Contacto Sangriento (1988): Van Damme, su formidable trasero y el gran hombre de Vitruvio
Los críticos de esRadio repasan los secretos y anécdotas de la mítica cinta de lucha de 1988 protagonizada por la estrella belga. En una nueva entrega del programa Par-Impar, charlamos con el periodista y escritor Lorenzo Ayuso sobre su obra titulada Van Damme: El hombre de Vitruvio, publicada por Unión Editorial. Este libro es un profundo y serio análisis enciclopédico sobre la trayectoria cinematográfica del actor belga Jean-Claude Van Damme, alejándose del tono de parodia que a menudo rodea al actor para reivindicar su importancia dentro del cine de acción de las décadas de los ochenta y noventa. Y lo hacemos a través de uno de sus primeros éxitos: la película Contacto Sangriento. El núcleo de la conversación gira en torno a los inicios de la carrera de Van Damme y su estrecha relación con la mítica productora Cannon Films, liderada por Menachem Golan e Yoram Globus. Se detalla la famosa anécdota de cómo el actor consiguió llamar la atención de Golan dándole una patada por encima de la cabeza en la entrada de un restaurante. Asimismo, se desvela el engaño que realizó el belga al asegurar que era el villano principal de la película Depredador, ocultando que había sido despedido, lo que facilitó que consiguiera el papel protagonista en la emblemática cinta de artes marciales Contacto Sangriento. Los participantes del programa analizan la capacidad de Van Damme para convertirse en el mejor narrador de su propia vida. Según explica el autor del libro, el intérprete belga ha dedicado gran parte de su carrera a moldear su biografía personal para construir un personaje casi mitológico, dotado de un hambre de éxito voraz y un compromiso absoluto con los rodajes, llegando a entrenar de forma espartana antes de entrar a trabajar como redactor jefe en su vida diaria. La charla se adentra en los entresijos técnicos de Contacto Sangriento, una película dirigida por Newt Arnold, un reputado ayudante de dirección de la época, y que contó con la dirección de fotografía de David Worth. Uno de los aspectos más sorprendentes del rodaje fue el caótico primer montaje, que carecía de ritmo y resultó ser un fracaso inicial. Fue el propio Van Damme quien, junto al montador Michael J. Duthie, asumió la tarea de remontar la película por completo para enfocar el ritmo de las escenas en la espectacularidad de los combates. El magnetismo del actor con el público femenino también ocupa un espacio relevante en el análisis. A diferencia de otros héroes de acción musculados de la época, Van Damme poseía un atractivo físico y una sensibilidad que traspasaban la pantalla. El director de fotografía David Worth llegó a asegurar que el plano del trasero desnudo de Van Damme incrementaría las ventas en VHS de la película en más de cien mil copias, convirtiendo este tipo de encuadres en una seña de identidad ineludible en producciones posteriores como Soldado Universal. El doblaje al español de la película es otro de los puntos fuertes comentados en el podcast. La dirección corrió a cargo del mítico Carlos Revilla, la voz original de Homer Simpson en España, y contó con las voces de José Luis Angulo doblando a Van Damme y de Ramón Langa interpretando al carismático Ray Jackson. Se rememoran frases icónicas que han quedado grabadas en la memoria colectiva de los aficionados al cine de videoclub de finales de los ochenta. Finalmente, los locutores repasan la evolución del actor hacia producciones de grandes estudios de Hollywood, destacando su colaboración con el director Peter Hyams en películas como Timecop o la aclamada Muerte Súbita. Estos proyectos permitieron al actor desencasillarse de las artes marciales puras y adentrarse en un cine de acción mucho más sofisticado. La conversación concluye con las recomendaciones personales de los participantes, quienes ensalzan títulos como Cyborg, dirigida por Albert Pyun, o la célebre película de John Woo, Blanco Humano, considerada una de las obras cumbre de la filmografía del actor belga.
August 28 · 1 hr 25 min
'La Bella y la Bestia' (1991) con Enrique Gato: cuando Disney no necesitaba pedir perdón
En compañía del cineasta Enrique Gato, que estrena nueva entrega de Tadeo Jones, hablamos de este gran clásico de Disney de 1991. El programa de esRadio recibe esta semana a una de las figuras más importantes de la animación en España, el director Enrique Gato. Con motivo del inminente estreno de la nueva entrega de la saga Tadeo Jones, el cineasta se une a los micrófonos para analizar uno de los grandes hitos de la Walt Disney Company que marcó un antes y un después en su carrera y en su vocación: el clásico de 1991, La Bella y la Bestia. Gato rememora cómo este largometraje de animación tradicional supuso el punto de inflexión definitivo que le impulsó a querer comprender los entresijos de esta disciplina artística. Durante la conversación, se destaca el extraordinario impacto que tuvo La Bella y la Bestia en el resurgir de la productora norteamericana a principios de los años noventa. Junto a títulos inolvidables como La Sirenita o El Rey León, la película consolidó una edad de oro de la animación caracterizada por la excelencia artística y técnica. Enrique Gato detalla la maestría del dibujo a mano y la introducción pionera de herramientas digitales, un trabajo titánico que requería la colaboración de cientos de artistas capaces de dotar de alma a cada fotograma. Uno de los aspectos técnicos más fascinantes abordados en el audio es la escena del baile en el gran salón, donde se fusionó de forma magistral la animación en dos dimensiones con los primeros escenarios generados por ordenador --CGI--. Esta mezcla revolucionaria permitió realizar un movimiento de cámara virtual similar al de una grúa cinematográfica, algo completamente inédito para la época que asombró tanto a los profesionales del sector como al público general. Gato reflexiona sobre cómo, a pesar de la evolución tecnológica y del dominio actual de la animación digital en tres dimensiones, los tiempos de producción de un largometraje siguen rondando los cuatro o cinco años debido al carácter artesanal de este arte. El director de Tadeo Jones explica detalladamente que en el mundo de la animación no existe margen para la espontaneidad o la improvisación durante el rodaje. Todo el metraje de la película debe estar meticulosamente planificado en el storyboard antes de comenzar la producción real, ya que cada minuto de metraje animado es sumamente costoso. Los guionistas procedentes de producciones de acción real a menudo se topaban con la frustración de ver cómo sus ideas debían adaptarse estrictamente a las posibilidades expresivas de los animadores, quienes actúan como los verdaderos constructores de la acción dramática y emocional de la historia. La vertiente musical de La Bella y la Bestia es clave para entender su éxito imperecedero. La película se concibió bajo la estructura de un auténtico musical de Broadway, con composiciones de Alan Menken y letras de Howard Ashman que lograban expresar la psicología y evolución de los personajes sin caer en la cursilería. Temas memorables como Qué festín o la balada principal interpretada por Angela Lansbury elevaron el largometraje a la categoría de obra de arte. Enrique Gato reivindica la fuerza de estas composiciones y reconoce que su gran reto como director es alcanzar ese nivel de emoción orgánica en sus propios proyectos. Finalmente, los participantes en el programa elogian el extraordinario doblaje al español de la cinta, dirigido por Camilo García y que contó con voces de la talla de Miguel Ángel Jenner y Jordi Brau. Esta versión en castellano sigue siendo la preferida de muchos espectadores debido a la asombrosa calidad de las interpretaciones, que rivalizan e incluso superan a las originales en matices emotivos. Enrique Gato concluye la entrevista animando a los oyentes a buscar los guiños y homenajes ocultos --los conocidos como easter eggs-- que ha introducido en su nueva película, prometiendo que el público español encontrará referencias muy cercanas a su cultura.
August 20 · 1 hr 17 min
Spielberg sabe algo: sus tres películas de extraterrestres dan pistas sobre lo que va a pasar (con Alba Torremocha)
Con la autora de bandas sonoras Alba Torremocha hablamos de Williams, las pelis de extraterrestres de Spielberg y si todo va a pasar de verdad. En esta nueva entrega cinematográfica en esRadio, los presentadores Juanma González y Dani Palacios cuentan con la participación especial de la compositora de bandas sonoras Alba Torremocha. Durante la conversación, analizan en profundidad la trilogía de películas sobre extraterrestres dirigidas por Steven Spielberg: Encuentros en la tercera fase, E.T., el extraterrestre y un tercer análisis que vinculan a las recientes revelaciones ufológicas en el Congreso de los Estados Unidos. Los tertulianos debaten sobre si el célebre director utilizó estas producciones como una preparación o advertencia para la humanidad ante una futura revelación real. El papel de la música, compuesta magistralmente por John Williams, es uno de los temas centrales del programa. Alba Torremocha destaca cómo Williams y Spielberg logran establecer una comunicación no verbal que trasciende el lenguaje ordinario. La música no es un mero adorno, sino la base misma de la empatía en la pantalla. Un claro ejemplo es el célebre motivo de cinco notas en Encuentros en la tercera fase, que sirve como el único puente de entendimiento entre los seres humanos y los visitantes alienígenas, demostrando que el arte puede ser un lenguaje universal. Otro punto de debate es la evolución de la figura de la autoridad y del Gobierno a lo largo de las películas de Spielberg. En la primera de ellas, personajes como el interpretado por François Truffaut buscan activamente la comunicación y el entendimiento científico. Sin embargo, en E.T., el extraterrestre, el poder estatal se vuelve frío y amenazante, representado por científicos sin rostro que buscan diseccionar lo desconocido. Esta deshumanización gubernamental culmina en planteamientos donde el control de la información es absoluto, reflejando la desconfianza del director hacia las instituciones políticas. Los participantes analizan también la figura del niño como el receptor ideal del contacto extraterrestre. Personajes como Barry o Elliot muestran una pureza emocional y una capacidad de amar sin condiciones que los adultos han perdido. Para Spielberg, los niños no sienten el miedo instintivo ante lo diferente, sino una curiosidad innata que facilita la conexión empática. Esta perspectiva subraya la idea moral de que la humanidad debe recuperar su inocencia y su capacidad de escuchar para afrontar los grandes cambios que están por venir. Por el lado profesional, Alba Torremocha comparte valiosos detalles sobre su trayectoria en el sector del cine, habiendo trabajado en proyectos tanto en España como en Estados Unidos. La invitada analiza el proceso de colaboración entre los compositores y los directores de cine, señalando las diferencias de método que existen en la industria actual. Explica que, en muchas ocasiones, los cineastas utilizan referencias temporales de otras bandas sonoras para marcar el ritmo, aunque el verdadero reto consiste en capturar la esencia emocional de la historia y traducirla en notas musicales que aporten una nueva dimensión psicológica a las escenas de la película. La charla concluye con una reflexión sobre la pérdida de personalidad de las bandas sonoras contemporáneas, que en ocasiones se limitan a ser meras texturas ambientales de fondo. Frente a esta tendencia, se reivindica el legado de compositores clásicos que, como Williams, dotaban a cada película de una identidad sonora única y memorable. Para los integrantes de esRadio, recuperar el valor de la música en el cine no es solo una cuestión de nostalgia, sino una necesidad para mantener viva la magia y la capacidad de conmover al espectador que Spielberg siempre defendió en sus historias de ciencia ficción.
August 14 · 1 hr 15 min
'The Descent' (2005), el descenso a los infiernos que fue el terror de los 2000
Juanma y Dani conversan sobre la película The Descent, un perfecto ejemplo de horror fuertecito de la década de los 2000. En esta entrega de nuestro espacio de cine en esRadio, Juanma González y Dani Palacios se adentran en las profundidades de la tierra para analizar una de las películas más emblemáticas del género de terror de la década de los 2000: The Descent, dirigida por el británico Neil Marshall. Estrenada en 2005, esta obra llegó en un momento en que el público seguía muy de cerca los pasos de su director tras el éxito de su anterior largometraje, Dog Soldiers. Los presentadores coinciden en que la película supuso un hito en el cine de horror de la época, destacando por su atmósfera asfixiante y un crudo retrato de la supervivencia humana llevado al límite. La trama sigue a un grupo de seis amigas que deciden emprender una expedición de espeleología en una remota cadena montañosa. Sin embargo, lo que comienza como una actividad de aventura pronto se transforma en una auténtica pesadilla claustrofóbica. Dani y Juanma subrayan que, más allá de la amenaza física de las extrañas criaturas ciegas que habitan en la oscuridad, el verdadero motor de la tensión dramática es el tenso triángulo amoroso latente entre la protagonista, Sarah, su amiga Juno y el difunto esposo de la primera. Este conflicto psicológico fractura la supuesta solidaridad femenina desde el primer minuto, ofreciendo un retrato humano implacable, pesimista y carente de heroísmos idealizados. Desde el punto de vista formal, los presentadores elogian la influencia de maestros como John Carpenter en el manejo del espacio claustrofóbico y la tensión sostenida. Marshall utiliza de manera magistral el formato panorámico para capturar tanto la inmensidad de los paisajes exteriores al inicio de la cinta como la opresión de los pasadizos subterráneos. Aunque gran parte de la película se rodó en plató, la iluminación —que transita desde tonos fríos y blanquecinos al estilo de Janusz Kaminski en Minority Report hasta la oscuridad absoluta salpicada por el rojo de las bengalas— consigue sumergir al espectador en un entorno absolutamente verosímil y terrorífico. Otro de los aciertos técnicos comentados es la banda sonora compuesta por David Julyan, la cual evoca de inmediato las melodías trágicas de Howard Shore en El Silencio de los Corderos. Asimismo, se analiza el uso de la obturación de la cámara en las secuencias de acción dentro de la cueva, un recurso visual similar al empleado por Danny Boyle en 28 Días Después. Al aumentar la velocidad del obturador en condiciones de extrema subexposición, Marshall logra definir los movimientos de las criaturas de manera nítida e inquietante sin perder la oscuridad natural del escenario, una decisión artística sumamente arriesgada pero ejecutada con un éxito rotundo. El debate se intensifica al analizar los diferentes finales de la película según el mercado en el que se distribuyó. Mientras que el estreno en Estados Unidos ofreció una versión editada en la que la protagonista logra escapar, el corte original europeo mantiene un tono de absoluto pesimismo en el que la huida resulta ser una mera alucinación de Sarah, atrapada definitivamente en la fosa. Para Juanma y Dani, este último final es el único coherente con el descenso a la locura y la deshumanización que sufre el personaje, quien termina convertida en una criatura tan salvaje como los propios monstruos de la caverna para asegurar su supervivencia. Finalmente, los presentadores repasan la trayectoria de Neil Marshall, lamentando que su prometedora carrera se viera parcialmente truncada en años posteriores. In particular, rememoran el escándalo sexual que involucró a su pareja, la actriz Charlotte Kirk, y a altos ejecutivos de Hollywood, un suceso que ensombreció su estatus en la industria cinematográfica. Con todo, The Descent permanece como un clásico moderno del cine de terror, una joya de la transición entre el celuloide y el formato digital que sigue funcionando con una eficacia espeluznante casi dos décadas después de su estreno.
August 7 · 1 hr 29 min
'Persiguiendo a Amy' (1997): el gran ejercicio de autocrítica "indie" de Kevin Smith
Analizamos la transgresora obra de Kevin Smith que rompió moldes en el cine independiente abordando la sexualidad sin la corrección política actual. En este nuevo podcast de esRadio, Juanma González y Dani Palacios charlan con el dibujante el crítico Carlos M. Mira para analizar en profundidad una de las películas más emblemáticas del cine alternativo norteamericano de los años noventa: Persiguiendo a Amy, escrita y dirigida por el cineasta Kevin Smith en 1997. Los tertulianos comienzan compartiendo anécdotas de sus años de instituto y motes juveniles antes de entrar de lleno en materia cinematográfica. Para el invitado, esta cinta es, sin duda, su favorita del director de Nueva Jersey, destacando su profunda conexión con la Generación X y el estilo característico de producciones de la época. La conversación aborda la complejidad de los personajes principales, interpretados por Ben Affleck (Holden), Jason Lee (Banky) y Joey Lauren Adams (Alyssa). Se destaca el ejercicio de autocrítica masculina que realiza el propio director a través de Holden, un hombre sensible pero cargado de prejuicios e inseguridades que acaba saboteando su propia relación sentimental. Los colaboradores analizan cómo la obra deconstruye los roles de género y expone la vulnerabilidad del hombre ante el amor y el miedo al qué dirán, presentando un contraste brutal entre el cómic comercial de superhéroes y el de corte más independiente. Durante el análisis, se examinan escenas icónicas de la película, como la cruda declaración de amor de Holden a Alyssa dentro de un coche bajo la lluvia. Los tertulianos alaban la interpretación de Ben Affleck en esta etapa de su carrera, así como la magnífica y contenida reacción de la actriz protagonista, cuya mirada transmite una mezcla de dolor, enfado y madurez. El debate resalta el estilo de dirección rudimentaria de la cinta, que se apoya firmemente en los diálogos y en el talento de sus actores más que en el bajo presupuesto con el que contaban. Un punto clave del programa es la comparación del desenlace de Persiguiendo a Amy con el de la oscarizada película La La Land. Los presentadores coinciden en que el final es un ejemplo de maduración personal, donde los protagonistas se reencuentran años después en una convención de cómics y se perdonan mutuamente con una mirada, asumiendo con resignación que su historia de amor ha quedado en el pasado pero que les ha servido para crecer. Asimismo, se comenta el inevitable distanciamiento de la amistad masculina entre Holden y Banky, reflejando una realidad muy habitual en las relaciones humanas cuando se rompen los lazos de juventud. Para concluir, los participantes repasan la trayectoria del célebre director norteamericano, comentando títulos clave de su filmografía como Clerks, Mallrats y producciones posteriores como Jersey Girl o Tusk. También rememoran divertidas anécdotas de la industria, como el curioso rumor de que Michael Mann pudo haber dirigido El Indomable Will Hunting introduciendo bandas latinas en Boston. El programa cierra con la emisión de la canción Alive, interpretada por la propia actriz protagonista en el largometraje, consolidando un nostálgico y entretenido repaso al cine de finales del siglo pasado.
July 31 · 1 hr 17 min
'El Foso y el Péndulo' (1991) y 'Castle Freak' (1995): el arte perdido de Stuart Gordon y Full Moon
Nuevo programa de Par-Impar sobre dos serie B de terror directo a vídeo de los noventa: Castle Freak y El Pozo y el Péndulo, de Stuart Gordon. En esta nueva entrega del podcast de cine Par-Impar en esRadio, Juanma González y Dani Palacios nos sumergen en una sesión doble de auténtico cine de culto y serie B de los años noventa. El programa rinde homenaje al talento del director de culto Stuart Gordon y a la mítica productora Full Moon, capitaneada por Charles Band. A través de un análisis desenfado pero riguroso, los presentadores desmenuzan dos de las obras más singulares y físicas del realizador: El Foso y el Péndulo (1991) y Castle Freak (1995). Ambas películas personifican una época dorada del cine de terror directo a videoclub, donde las limitaciones presupuestarias se suplían con un desbordante ingenio visual y una entrega absoluta por parte de sus actores fetiche. La andadura comienza con El Foso y el Péndulo, una libre adaptación del célebre relato de Edgar Allan Poe que Gordon reformula para adaptarla a su estilo visceral y de terror físico. Ambientada convenientemente en el año 1492, la cinta retrata una visión delirante y lúbrica de la Inquisición española. El gran aliciente de la función es la asombrosa interpretación de Lance Henriksen en el papel de Torquemada, encarnado aquí como un fanático atormentado por sus propias represiones sexuales y delirios de poder. La película baila constantemente entre el terror gótico y un humor negro muy cercano a la parodia, ejemplificado en la hilarante escena del juicio a un esqueleto al que azotan hasta deshacerlo, un momento que los locutores comparan con un sketch de los Monty Python. La producción de este filme cuenta además con curiosidades memorables que enriquecen el anecdotario del programa de esRadio, como el brevísimo pero impagable cameo del legendario actor Oliver Reed interpretando a un enviado del Papa. Según relatan González y Palacios, Gordon le permitió que en sus dos minutos en pantalla se limitara a beber vino real, lo que facilitó enormemente el rodaje. El desenlace de la película, con una bruja que explota tras ingerir pólvora de forma literal, rubrica el tono desenfadado y macabro de una propuesta que, pese a sus costuras de bajo presupuesto, ofrece momentos visualmente potentísimos gracias a la notable dirección artística de la factoría de Charles Band. La segunda parte de este programa doble se traslada a la truculenta atmósfera de Castle Freak (1995), una de las cintas más oscuras y escabrosas de la filmografía de Stuart Gordon. Rodada en el propio castillo medieval que Charles Band poseía en la Umbría italiana, la película está protagonizada por la emblemática pareja del cine fantástico formada por Jeffrey Combs y Barbara Crampton. Aquí encarnan a un matrimonio sumido en una profunda crisis tras una tragedia familiar que hereda la fortaleza, sin sospechar que en sus mazmorras habita un ser deforme y martirizado llamado Giorgio. La crudeza de la propuesta, su sordidez sexual y el dramatismo gótico la convierten en una pieza de culto muy superior a la media de las producciones destinadas al mercado doméstico. Los conductores de Par-Impar analizan pormenorizadamente los elementos de terror físico y psicológico de la película, destacando el trágico trasfondo del monstruo y su perturbadora mutilación genital a manos de su propia madre. Asimismo, especulan con la posibilidad de que directores españoles de renombre dentro del género, como Paco Plaza y Jaume Balagueró, se inspiraran directamente en el aspecto visual de Giorgio para dar forma a la icónica niña Medeiros de la saga cinematográfica Rec. La música del programa concluye con una curiosidad familiar sobre la dinastía Band: la sintonía final corre a cargo de la banda The Calling, cuyo vocalista, Alex Band, es hijo del compositor Richard Band y sobrino del célebre productor de Full Moon.
July 24 · 1 hr 26 min
'La Odisea' (2026) con Javier Negrete: las licencias y polémicas de Nolan
Los cambios del oscarizado director en la epopeya griega indignan a los puristas. Hablamos de este nuevo clásico con el escritor Javier Negrete. En esta nueva entrega del pódcast Par Impar emitida en esRadio, los presentadores Juanma González y Dani Palacios, junto al escritor y especialista Javier Negrete, analizan una muy peculiar adaptación cinematográfica de La Odisea que supuestamente ha dirigido el cineasta Christopher Nolan. Los contertulios destripan esta hipotética superproducción con un tono cargado de humor y crítica, comparando la visión de Nolan con el mito clásico de Homero. La conversación se centra inicialmente en las decisiones técnicas y narrativas de la película, destacando el uso obsesivo del formato IMAX por parte de Nolan. Este sistema, aunque visualmente imponente, dificulta enormemente la filmación de las coreografías de combate en espacios cerrados. Los presentadores comparan este estilo con el de la película Troya, dirigida por Wolfgang Petersen, donde los enfrentamientos entre Brad Pitt y Eric Bana alcanzaron una cota de realismo y espectacularidad difícil de superar. Uno de los temas clave del debate es la representación de la ley de Zeus o la hospitalidad griega (xenia), un elemento sagrado en los poemas homéricos. El invitado Javier Negrete, autor de la novela Odisea editada por HarperCollins, explica cómo en la película de Nolan este concepto se simplifica para convertirlo en una suerte de justificación moral para la matanza final de los pretendientes, adaptándolo al estilo oscuro y denso del director. En cuanto al reparto, destaca la elección de Matt Damon para encarnar a un Ulises que se aleja del héroe astuto clásico para mostrarse como un soldado traumatizado y consumido por la culpa tras la caída de Troya, un enfoque muy en la línea de producciones como Oppenheimer. La actriz Anne Hathaway asume el papel de Penélope, logrando dotar de gran carga dramática a sus escenas frente a un joven Telémaco interpretado por Tom Holland. La película no escatima en licencias creativas y polémicas, como la inclusión del personaje de Sinón, interpretado por Elliot Page, que pertenece en realidad al ciclo troyano de la Eneida de Virgilio. Por su parte, la actriz Zendaya da vida a una Atenea que en esta versión no es una deidad física, sino una representación psicológica de la mala conciencia del protagonista, un recurso muy habitual en la filmografía de Nolan. La mitología fantástica se reinterpreta bajo un prisma de terror y ciencia ficción. El Cíclope es retratado como un gigante mutante con una deformidad ocular vertical, un diseño que combina efectos prácticos con CGI y que recuerda al Grendel de la película Beowulf de Robert Zemeckis. Del mismo modo, la escena de Circe —interpretada por Samantha Morton— se transforma en un pasaje de body horror donde los hombres se convierten en cerdos mediante impactantes efectos físicos. Finalmente, el análisis de la secuencia de las Sirenas y el regreso a Ítaca desvela la maestría de Nolan en el uso del recurso sonoro, ensordeciendo el ambiente para resaltar la música mientras los marineros usan cera en los oídos. Para cerrar la emisión, los presentadores repasan otras adaptaciones populares de la obra, como la comedia O Brother, Where Art Thou? de los hermanos Coen o la mítica versión teatral de El Joglars en los años setenta, concluyendo que esta original propuesta consigue acercar la literatura clásica al gran público.
July 17 · 1 hr 20 min
'Obsession' (2026) y todas las locas teorías sobre Inde Navarrette (incluida la del gato)
Analizamos los rumores más delirantes que circulan en redes sobre el reparto del largometraje de suspense de moda este año. En esta entrega del podcast de cine de esRadio, los presentadores Juanma González y Dani Palacios se adentran en el análisis de una de las películas más comentadas del año, Obsession. Con un presupuesto ajustado de menos de un millón de dólares, esta producción se ha convertido en el gran pelotazo del año, acumulando más de 400 millones en recaudación mundial tras su reciente estreno en streaming en Estados Unidos. La trama sigue a Bear, un joven con escasas habilidades sociales y que arrastra una profunda tristeza en la casa de su recién fallecida abuela. Bear está perdidamente enamorado de su compañera de trabajo, Nikki, y no sabe cómo expresarle su amor. Aconsejado por su amigo Ian de una manera no muy sincera, Bear decide usar un sauce de los deseos para pedir que Nikki se enamore de él. Para sorpresa de todos, el deseo se cumple, desencadenando una espiral donde Nikki, bajo el influjo del conjuro, pasa de ser ella misma a una versión obsesionada y dependiente de Bear. Los locutores analizan las distintas interpretaciones de la película y las teorías que circulan por internet, entre ellas la curiosa teoría del gato y la idea de que Nikki no está poseída por una persona sino por el propio sentimiento de Bear. Asimismo, destacan la riqueza de la cinematografía y los códigos de lenguaje visual inspirados en redes sociales como YouTube y TikTok, además de la excelente banda sonora de Rock Burgwell que aporta una atmósfera de ensoñación al filme. El filme también destaca por su metáfora sobre las relaciones tóxicas y la dependencia emocional, explorando el terror no solo desde lo sobrenatural, sino desde situaciones cotidianas. El podcast concluye recomendando la película, alabando el trabajo de los actores y destacando cómo ha conectado de manera especial con la generación Z, convirtiéndola en una de las sorpresas cinematográficas del año.
July 3 · 1 hr 15 min
'Rain Man' (1988) y el gran secreto que ocultan sus protagonistas
Analizamos la oscarizada road movie de Barry Levinson, la evolución de los personajes y la mítica banda sonora de Hans Zimmer. En este nuevo episodio de nuestro podcast, nos sumergimos de lleno en el análisis de una de las películas más icónicas de finales de los años ochenta: Rain Man, estrenada en 1988 y gran triunfadora en la gala de los Premios Oscar de 1989, donde se alzó con los galardones a mejor película, mejor director para Barry Levinson, mejor guion y mejor actor principal. A lo largo de la conversación, desgranamos el enorme impacto de esta producción, que no solo fue un éxito de crítica, sino también un tremendo taquillazo. Aunque la película suele recordarse principalmente por la llamativa y oscarizada interpretación de Dustin Hoffman, que da vida a Raymond, un autista de alta funcionalidad, reivindicamos con fuerza el papel de Tom Cruise. Su personaje, Charlie Babbitt, es el verdadero motor y corazón de la historia, mostrando una evolución dramática excepcional que sirve de espejo para el espectador. Analizamos la estructura de la película como una road movie emocional en la que los hermanos Babbitt viajan desde la costa este hasta Los Ángeles. Durante este viaje, el personaje de Tom Cruise, inicialmente un joven yuppie, egoísta y obsesionado con el dinero, experimenta un profundo cambio al conectar de manera genuina con su hermano. Este proceso se aborda en el film con una enorme sensibilidad, evitando caer en recursos fáciles o excesivamente sensibleros, un mérito que atribuimos tanto a la dirección de Barry Levinson como a la sólida química entre ambos protagonistas. También comentamos diversos aspectos de la producción y anécdotas de los actores, estableciendo paralelismos entre el trabajo de Tom Cruise en esta obra y otros papeles clave de su carrera, como el de Jerry Maguire o Nacido el Cuatro de Julio. De igual modo, recordamos con humor y nostalgia la banda sonora de la película, a cargo de un joven Hans Zimmer que ya empezaba a consolidar su característico estilo en el Hollywood de la época. Para cerrar, compartimos algunas de nuestras escenas favoritas, como la mítica secuencia en el casino de Las Vegas o el entrañable momento del ascensor junto al personaje de Valeria Golino. Finalmente, nos despedimos con el gran momento musical del film al ritmo del clásico de The Beatles, "I Saw Her Standing There", cantado por los propios protagonistas.
June 26 · 1 hr 27 min
'El Sueño Eterno' (1946) con Martín Torres y la ciudad española que rivalizaría con Los Angeles
Juanma González y Dani Palacios conversan en esRadio sobre la relación de Howard Hawks con Faulkner y la influencia del filme 'El Crack'. En esta nueva entrega de Par Impar, el programa de cine de esRadio, los presentadores Juanma González y Dani Palacios conversan con Martín Torres, médico de urgencias y escritor que presenta la segunda edición de su aclamada novela negra, La Enfermera. Durante la charla sobre la mítica película de cine negro El Sueño Eterno, de Howard Hawks, se analiza cómo el autor ha logrado plasmar su experiencia profesional en un relato trepidante, ambientado en una ciudad que evoca la atmósfera del cine negro clásico: San Sebastián. Los tertulianos comparan la capital guipuzcoana con Los Ángeles por su capacidad para acoger intrigas oscuras bajo una fachada de sofisticación. Martín Torres explica que San Sebastián posee una dualidad idónea para el suspense, ya que combina el glamour de su festival de cine con el ambiente sombrío de sus días lluviosos, siendo la capital de provincia con más jornadas de precipitaciones al año. Esta atmósfera sirve de telón de fondo para La Enfermera, donde el entorno hospitalario de urgencias se convierte en el epicentro de una compleja trama criminal. El autor destaca que la medicina de urgencias aporta un dinamismo y una constante toma de decisiones extremas que encajan a la perfección con el ritmo que exige el thriller contemporáneo. El debate se traslada rápidamente a los grandes referentes del género, prestando especial atención a El Sueño Eterno, la mítica película dirigida por Howard Hawks y basada en la novela de Raymond Chandler. Martín confiesa su admiración por este clásico y destaca la colaboración del Nobel William Faulkner en el guión junto a Leigh Brackett. Entre las anécdotas del rodaje, recuerdan el famoso telegrama que Hawks envió a Chandler preguntándole quién había matado al chófer de la historia, a lo que el novelista respondió que tampoco lo sabía, un claro ejemplo de cómo la atmósfera y el magnetismo de los personajes superan a la propia coherencia de la trama. Otro aspecto de gran interés que se analiza de El Sueño Eterno es la inigualable química entre Humphrey Bogart y Lauren Bacall, cuya relación traspasó la pantalla y dio origen al famoso término Rat Pack, acuñado por la propia Bacall. Los presentadores de esRadio recuerdan cómo el estudio decidió añadir nuevas escenas para aprovechar el tirón publicitario del romance real, lo que dio pie a secuencias tan recordadas como la de los caballos, cargada de dobles sentidos de carácter sexual que lograron sortear la férrea censura de la época. Centrándose en el proceso de escritura de La Enfermera, Martín Torres revela que su prioridad ha sido construir diálogos ágiles y de gran realismo, inspirándose en el habla de la gente joven con la que trabaja a diario en el hospital. Asimismo, el autor confiesa que evita realizar descripciones físicas minuciosas de los personajes o de las localizaciones para estimular la imaginación del lector. Esta técnica permite que cada persona proyecte su propia imagen de los protagonistas, lo que agiliza notablemente la lectura y sumerge al público directamente en la acción. Por último, el programa de esRadio aborda una de las conexiones más fascinantes del cine español con Hollywood, detallando la supuesta influencia de El Crack, la obra maestra de José Luis Garci protagonizada por Alfredo Landa, en el cine de Quentin Tarantino. Los tertulianos rememoran una anécdota según la cual se le preguntó directamente a Tarantino en un festival si había copiado una escena para Pulp Fiction, a lo que el director estadounidense admitió conocer y admirar el filme de Garci. El broche de oro de la emisión lo pone la música de Fleetwood Mac con clásicos como Lies y Everywhere, que ponen ritmo a esta enriquecedora conversación sobre literatura, medicina y celuloide.
June 18 · 1 hr 26 min
Lo que se viene en el Mad Horror con Mike Hostench + Las películas de terror que cumplen años en 2026
Hablamos del festival Mad Horror que tendrá lugar en Madrid (y las películas de terror que cumplen aniversario este 2026) Los presentadores de esRadio, Dani Palacios y Juanma González, introducen un episodio nostálgico situado en junio de 2026, centrado en los aniversarios de emblemáticas películas de terror y la llegada de un nuevo gran evento a Madrid: el festival Mad Horror. Para hablar de este hito para el sector del cine, reciben a Mike Hostench, quien fuera codirector del Festival de Sitges durante dos décadas y que ahora pilota este ambicioso proyecto. Hostench explica que el festival está diseñado para combinar una convención de terror—con firmas de talentos, puestos de cómics y videojuegos—con un festival de cine boutique. La selección cinematográfica contará con lo mejor de certámenes prestigiosos como Sitges, el Fantastic Fest de Austin y el Midnight Madness de Toronto. Entre lo más destacado se encuentran diez largometrajes nuevos y diversos homenajes que traerán una experiencia única a la capital de España. El festival cuenta con un impresionante plantel de figuras legendarias invitadas, entre las que destacan Robert Englund, Linda Blair y Malcolm McDowell. Además, el certamen albergará tres grandes exposiciones: una dedicada al universo de la película Aliens, el regreso, que cumple 40 años; otra enfocada en la oscarizada empresa de efectos DDT; y una tercera que rinde tributo al maestro del terror español, Chicho Ibáñez Serrador. El evento también dispondrá de zonas experienciales, incluyendo tres túneles del terror—dos de ellos inspirados en el manga y el anime japonés—escape boxes y videojuegos. Hostench y los presentadores debaten sobre cómo el género de terror ha salvado históricamente a la industria cinematográfica en épocas de crisis, citando su capacidad para triunfar con presupuestos moderados y sin necesidad de contar con estrellas de Hollywood excesivamente caras. La conversación se traslada después a las efemérides históricas que se cumplen en 2026. Celebrando su 50.º aniversario se encuentra la obra maestra española ¿Quién puede matar a un niño?, dirigida por Serrador. También destacan los 40 años de Aliens, el regreso (1986) y de La mosca de David Cronenberg, enfatizando el impacto de estas películas en la evolución de los efectos especiales y la definición de géneros. El terror español ocupa un lugar central en la retrospectiva, destacando el 30.º aniversario de Tesis, la brillante ópera prima de Alejandro Amenábar, y los 25 años de Los otros y de la obra de Guillermo del Toro, El espinazo del diablo. Los locutores recuerdan también el enorme éxito internacional de Darkness, dirigida por Jaume Balagueró, que llegó a recaudar más de 22 millones de dólares en las taquillas de Estados Unidos. Por último, rememoran otros títulos de culto como El día de la bestia (1995), de Álex de la Iglesia, que tuvo una mítica andadura en el Cine Rex de Madrid, y No profanar el sueño de los muertos de Jorge Grau. También repasan rarezas extremas como Sardu o Street Trash, concluyendo que el cine fantástico y de terror patrio sigue siendo una potencia vibrante y respetada internacionalmente.
June 12 · 1 hr 36 min
'Four Rooms' (1995) con Rodrigo Sopeña: un 'atasco' de historias cortas
El podcast 'Par Impar' analiza con el realizador la nueva entrega de su comedia en Prime Video y el mítico filme coral de Tarantino y Rodriguez. En este nuevo episodio del podcast Par Impar, los presentadores Juanma González y Dani Palacio reciben una vez más al director y guionista Rodrigo Sopeña. La excusa para esta reunión es doble: por un lado, comentar la cuarta temporada de su aclamada serie de comedia Atasco, disponible en la plataforma Prime Video; por otro, analizar una de las películas episódicas más emblemáticas de la década de los noventa, la gamberra y mítica Four Rooms (1995). El primer gran bloque de la charla se centra en la producción de Atasco. El director comparte con los oyentes los secretos de la grabación de la cuarta entrega, destacando de manera muy especial el estelar cameo del periodista Juanma Rodríguez, popular colaborador del grupo Libertad Digital y presentador en esRadio. Sopeña relata con humor cómo tuvieron que tratar a Rodríguez como a una auténtica estrella de Hollywood debido a su arrolladora y divertida personalidad. Otra de las genialidades de casting comentadas de la serie de esRadio es la incorporación del humorista Félix el Gato interpretando al mismísimo papa de Roma. Se trata de un rol enteramente gestual y silencioso que parodia las apariciones públicas del pontífice a bordo de un peculiar papamóvil de fabricación nacional. Este segmento sirve para que Sopeña explique cómo ha querido sacar la cámara del atasco físico por primera vez en la serie, expandiendo el universo de la ficción hacia exteriores. El núcleo cinéfilo del programa se dedica al despiece de Four Rooms, una película de culto de 1995 que entrelaza cuatro relatos independientes dirigidos por cuatro de los directores más prometedores del cine independiente americano de la época: Allison Anders, Alexandre Rockwell, Robert Rodriguez y Quentin Tarantino. El nexo de unión de todas las historias es el botones Ted, interpretado de forma histriónica por Tim Roth. Los podcasters y su invitado analizan pormenorizadamente cada habitación de este peculiar hotel Mon Signor. El primer capítulo, dirigido por Allison Anders y protagonizado por Madonna, es calificado de forma unánime como el más flojo y forzado, ya que apenas aprovecha el entorno del hotel. El segundo segmento, de Alexandre Rockwell, introduce al espectador en un juego de sumisión y celos bastante incómodo que, no obstante, mantiene un tono de extrañeza muy acorde al espíritu experimental del filme. El gran triunfador de la película es, sin duda, el tercer episodio, escrito y dispuesto por Robert Rodriguez y protagonizado por un divertidísimo Antonio Banderas en el papel de un mafioso chapado a la antigua. Esta sección es ensalzada como una obra maestra del slapstick y la comedia de dibujos animados al estilo de Tex Avery. El ritmo frenético y las soberbias actuaciones de los niños consiguen extraer carcajadas constantes. Por último, el cierre de la película corre a cargo de Quentin Tarantino, quien filma un plano secuencia larguísimo repleto de sus característicos e interminables diálogos sobre la cultura popular. El segmento, inspirado en un famoso episodio de la serie televisiva Alfred Hitchcock Presents, destaca por su magistral manejo de la tensión antes del estallido del gag final. Como curiosidad, Sopeña y González comentan los breves cameos de actores como Bruce Willis. De vuelta al análisis de Atasco, Sopeña aprovecha para elogiar el trabajo de otros integrantes del reparto, como el actor Diego Martín, quien asume un sorprendente papel dramático como director de orquesta que contrasta radicalmente con sus habituales papeles cómicos. También se destaca el debut actoral en la ficción de la célebre astróloga Esperanza Gracia, así como las delirantes aportaciones de cómicos de la talla de Raúl Cimas. Para finalizar, el podcast cierra con una excelente selección musical que incluye tanto el tema Vertigogo de la banda sonora de Four Rooms como Drop in the Bucket, la sintonía que acompaña a los créditos de Atasco. Los participantes se despiden emplazando a los oyentes a una futura quinta temporada de la serie y a nuevos debates cinematográficos llenos de nostalgia y buen humor.
June 5 · 1 hr 25 min
'¡Sufre, mamón! (1987)', la película de los Hombres G que hoy sería censurada
La tertulia de esRadio reivindica el brillante legado de Manuel Summers y el humor irreverente que consagró al cuarteto pop. En esta nueva entrega del programa Par Impar, los presentadores Juanma González y Dani Palacios viajan en el tiempo hasta el año 1987 para analizar uno de los mayores fenómenos de la cultura pop española: la película Sufre Mamón. Para este viaje nostálgico, cuentan con la participación del crítico Gonzalo Contreras, un apasionado seguidor del grupo Hombres G y colaborador habitual del espacio. Durante la charla, se repasa la importancia de aquel año en el que, a pesar de competir en las pantallas con superproducciones internacionales de la talla de Atracción Fatal, Los Intocables o Arma Letal, el verdadero rey de la taquilla en España fue el largometraje musical protagonizado por la célebre banda liderada por David Summers. Los integrantes del podcast coinciden en que Hombres G no es solo un grupo musical, sino un pilar fundamental para entender la música popular española. Su capacidad para conectar con el público ha trascendido generaciones, logrando que tanto los jóvenes de la época como las nuevas hornadas de oyentes conozcan al dedillo himnos como Devuélveme a mi Chica o Venezia. Los ponentes comparan el calado de sus canciones con el de mitos internacionales como los Beatles o David Bowie, señalando que la banda madrileña posee al menos una quincena de temas atemporales que forman parte del patrimonio emocional de millones de personas, independientemente de sus gustos musicales particulares. Uno de los aspectos más analizados en el programa es la figura del director del filme, Manuel Summers, padre de David Summers. El cineasta, a menudo infravalorado por la crítica de su tiempo por su transición hacia un cine más comercial, es reivindicado en la tertulia como un creador brillante y un cronista excepcional de la sociedad de su época. A lo largo de su carrera, Summers destacó no solo en el ámbito cinematográfico, sino también en el humor gráfico y la sátira en publicaciones históricas como La Codorniz o Hermano Lobo. Su habilidad para conectar con las masas se tradujo en éxitos colosales de taquilla, convirtiendo películas como Adiós, Cigüeña, Adiós o La Niña de Luto en auténticos hitos sociales. Durante el coloquio, se destaca el marcado contraste entre la propuesta estética de Hombres G y la sofisticación de la movida madrileña. Mientras que formaciones como Alaska y los Pegamoides o Radio Futura apostaban por una cuidada puesta en escena de influencia punk y vanguardista, Hombres G irrumpió con una imagen de sencillez absoluta, vistiendo vaqueros y polos normales. Esta aparente falta de pretensiones, sumada a unas melodías frescas y directas que hablaban de problemas cotidianos, supuso una revolución de buen rollo que sintonizó de inmediato con el sentir de una juventud que buscaba divertirse sin excesivas complicaciones intelectuales. El análisis de Sufre Mamón, actualmente disponible en la plataforma Netflix, se detiene en varias de sus escenas más gamberras, cuya incorrección política las haría hoy del todo impensables. Los tertulianos recuerdan entre risas las bromas pesadas gastadas a los sacerdotes del colegio católico, el desternillante destino del mono teñido de verde o el descontrol en las aulas con el lanzamiento de palomas, perros y gatos. Estas secuencias, que beben directamente del espíritu de las comedias adolescentes americanas al estilo de Porkys, reflejan una época de libertad creativa y un sentido del humor irreverente que hoy en día difícilmente superaría los filtros de la censura social contemporánea. La película también destaca por la genialidad de sus personajes secundarios, entre los que sobresale el villano de la función, Ricky Lacoste. Interpretado de forma hilarante por un primo de David Summers, este personaje encarna al típico pijo arrogante que intenta robarle la novia al protagonista, Marta, papel interpretado por Marta Madruga, pareja real del cantante en la vida real. El grupo rememora con humor la escena del concierto en la que Ricky canta la hilarante balada Piensa en mi Almohada mientras el público le abuchea al grito de idiota y gilipollas, un momento que consagra el tono festivo y autoparódico de una producción que no se tomaba a sí misma demasiado en serio. Para finalizar, los participantes del programa de esRadio analizan la evolución del grupo tras el estreno de la secuela Suéltate el Pelo en 1988 y su posterior separación en 1993. Su regreso triunfal en 2003 con el disco Peligrosamente Juntos y el éxito del sencillo Lo Noto demostró que el fenómeno fan seguía plenamente vigente, uniendo a padres e hijos en conciertos multitudinarios. Esta capacidad de resistencia al paso del tiempo consagra a Hombres G como una leyenda viva de la historia del pop en España, un grupo cuya música sigue despertando una profunda y alegre nostalgia en varias generaciones de españoles.
May 29 · 1 hr 14 min
'El Tren del Infierno' (1985), la joya desconocida de la Cannon que escribió Kurosawa
En este nuevo Par-Impar la conversación se centra en El Tren del Infierno, un thriller de 1985 con guion del mismísimo Akira Kurosawa. En esta nueva entrega del podcast de cine de esRadio, Par-Impar, Juanma y Dani comentan la película de Andrei Konchalovski El tren del infierno, un thriller norteamericano sobre dos presos que se fugan de un penal de Alaska y acaban donde no deberían: siendo los únicos pasajeros a bordo de un tren descontrolado que amenaza con descarrilar a cada momento.
May 22 · 1 hr 23 min
'Alas de mariposa' y 'La madre muerta' con Juanma Bajo Ulloa, y el precio de ser independiente en España
El director de 'Airbag' reivindica la libertad creativa en esRadio frente a la censura ideológica y la uniformidad de las plataformas. En este episodio de esRadio, Juanma González y Dani Palacios reciben al aclamado cineasta vitoriano Juanma Bajo Ulloa en una charla que destila amor por el séptimo arte y una ácida crítica a la deriva ideológica de la industria actual. El programa arranca con una irónica reflexión sobre las subvenciones estatales al cine, evidenciando cómo el sistema imperante premia la docilidad ideológica y los perfiles normativos en detrimento del verdadero talento independiente. Este contexto sirve como marco idóneo para analizar la trayectoria de un director que siempre se ha negado a someter su visión artística a los dictados del poder político y cultural. El motivo principal del encuentro es el lanzamiento por parte de la distribuidora de las cuidadas ediciones en formato Blu-ray de sus dos primeras y laureadas películas, Alas de mariposa y La madre muerta. Bajo Ulloa defiende un cine con alma, concebido como una experiencia terapéutica y personal que busca remover los sentimientos del espectador. El realizador critica duramente la uniformidad del pensamiento único que impera en las producciones contemporáneas de plataformas de streaming como Netflix, las cuales, a su juicio, entregan productos planos y masticados que anulan la capacidad de interpretación del público a través de predecibles manuales de instrucciones morales. La conversación se detiene detalladamente en su último trabajo, El mal, una obra que ha logrado mantenerse en cartelera durante meses en salas independientes como el Pequeño Cine Estudio de Madrid gracias al boca a boca y al empeño de su autor por conectar con la audiencia. El cineasta se muestra implacable al analizar el secuestro de la cultura por parte de la corrección política y las directrices de la Agenda 2030. Denuncia que el actual cine de subvención no busca la belleza ni la catarsis, sino la propaganda y el cumplimiento de cuotas ideológicas que promueven el sectarismo y el victimismo. Esta censura sutil pero implacable ha provocado que incluso el cine familiar se vea colonizado por consignas políticas, privando a las nuevas generaciones de una fantasía en libertad y de historias que desafíen su intelecto en lugar de adormecerlo. Al rememorar el arrollador éxito de Airbag, su película más taquillera, Bajo Ulloa destapa las miserias de una industria que nunca le perdonó aquel triunfo incontestable. Revela que el proyecto pudo salir adelante al margen del sistema tradicional de financiación gracias al mecenazgo de pelotaris y cocineros vascos, lo que le garantizó una absoluta libertad creativa. La respuesta de las élites culturales y la prensa de izquierdas ante este éxito popular fue el vacío y el ninguneo, demostrando que en el panorama cultural se castiga con saña a quien se atreve a triunfar sin pasar por el aro de los comisarios políticos de turno. Fiel a su estilo, el director detalla los elementos que configuran su universo visual, caracterizado por un tono gótico y atemporal donde evita conscientemente la tecnología moderna para construir verdaderas fábulas cinematográficas. Analiza la maestría de su planificación en escenas míticas de La madre muerta, donde el suspense, el humor negro y la sordidez se entrelazan de manera magistral. Reivindica la importancia de la composición formal y el montaje frente a la desidia técnica de las realizaciones actuales, asegurando que cada plano debe poseer una función expresiva única que atrape la mirada del espectador. La entrevista concluye con una interesante comparación entre el cine de Bajo Ulloa y el aclamado cine coreano contemporáneo de directores como Park Chan-wook, creador de Oldboy, destacando la asombrosa afinidad que comparten en el uso del suspense mezclado con la tragedia y el humor salvaje. El broche de oro musical lo pone el videoclip de la canción Problemas de la mítica banda de rock Barricada, dirigido en su día por el propio Bajo Ulloa. En un emotivo tramo final, el cineasta asume con orgullo el elevado peaje de su coherencia artística, prefiriendo la marginación del sistema antes que renunciar a su libertad, recordándonos que el verdadero arte siempre será indomable y ajeno a los dictados de cualquier ingeniería social de corte estatal.
May 15 · 1 hr 27 min
Por qué Florentino Pérez es un personaje de cine y La isla de las Tentaciones da para slasher
En 'Par en Par' sugieren convertir el 'reality' de parejas en género de horror, mientras ensalzan la Zaragoza nocturna filmada en 'Nuestros amantes'. En esta nueva entrega del programa Par en Par en esRadio, los presentadores Juanma González y Dani Palacios arrancan la emisión con una charla distendida sobre sus preferencias culinarias, centrándose especialmente en la receta de la ensaladilla rusa. Entre bromas sobre el uso de pepinillos, alcaparras o apio, los colaboradores establecen un tono cercano antes de sumergirse en la actualidad del sector del cine y las plataformas de streaming. Uno de los puntos cómicos de la conversación surge cuando Juanma González relata su frustración con el sistema de audio de su vehículo. Debido a un error de programación en el software, el equipo reproduce las canciones por orden alfabético cada vez que se pone al volante, lo que le obliga a escuchar sistemáticamente la banda sonora instrumental de Cazafantasmas 2. En concreto, menciona la pieza A Baby Carriage Meets the Traffic, que se ha convertido en la banda sonora involuntaria de sus trayectos diarios. Entrando en materia de ficción, los presentadores analizan la serie Berlín, el spin-off de La Casa de Papel disponible en Netflix. Dani Palacios destaca que le resulta más atractiva que la serie original por su tono cómico y ligero, resaltando la interpretación de Pedro Alonso como un galán rancio y pomposo. Esta atmósfera permite al espectador disfrutar de una trama de atracos menos densa y con un carisma muy particular en sus diálogos. Juanma González aprovecha el espacio para ensalzar la película Nuestros Amantes, dirigida por Miguel Ángel Lamata. El presentador confiesa estar obsesionado con este filme, que ha visionado recientemente en varias ocasiones. Lo que más destaca es la Zaragoza nocturna que captura la cámara, describiéndola como una ciudad hermosa y cinematográfica que sirve de escenario perfecto para una comedia romántica nada convencional, protagonizada por Michelle Jenner y Eduardo Noriega. En un giro creativo, surge la propuesta de transformar el popular reality de parejas La Isla de las Tentaciones en una producción del subgénero de horror slasher. Los colaboradores imaginan cómo la dinámica de fiestas y celos del programa de Telecinco encajaría perfectamente en una película de terror donde un asesino acabara con los concursantes. Mencionan a personajes como Leila y David, sugiriendo que la tensión del formato daría mucho juego en la gran pantalla bajo una óptica siniestra. La conversación también viaja hacia el mundo del manga y el anime con la recomendación de Dandadan. Dani Palacios describe esta obra como una mezcla explosiva de fantasmas, extraterrestres y situaciones picantes, destacando el personaje de la turboabuela, un espíritu que termina habitando en un gato de porcelana. Según los presentadores, es una de las historias más divertidas y originales que se pueden encontrar actualmente en el mercado nipón. El bloque dedicado a Michael Jackson cuenta con la participación de Ana Meijide para analizar el impacto del Rey del Pop. Los contertulios debaten sobre la necesidad de separar al artista del hombre, reconociendo el trauma infantil que marcó su vida y su obsesión por Neverland. Se mencionan álbumes icónicos como Thriller, Bad y Dangerous, subrayando que, a pesar de las controversias, su legado musical sigue siendo uno de los pilares de la cultura popular del siglo XX. Finalmente, el programa aborda la reciente rueda de prensa de Florentino Pérez, presidente del Real Madrid. Los presentadores ven en el mandatario blanco a un personaje digno de cine, destacando su aura de poder y su carisma innegable. Comparan su estilo con el de antiguos presidentes del fútbol español como Joan Gaspart o Jesús Gil, aunque resaltando la distinción y el control que ejerce Florentino. También hubo espacio para la autocrítica deportiva hacia el Atlético de Madrid, señalando que al club rojiblanco se le suele permitir una falta de exigencia que no se ve en otros grandes equipos.
May 8 · 1 hr 30 min
'Fin de semana al desnudo' (1974), o la España ardiente que empezaba a asomar la patita
El podcast de cine de Libertad Digital examina la evolución de la censura y el aperturismo social a través de dos obras que marcaron la historia. En una nueva entrega de Pari Par, el podcast de cine y series de esRadio, los presentadores Juanma González y Dani Palacios cuentan con la participación de la Alicia Parente para desgranar dos joyas de la comedia española dirigidas por Mariano Ozores: Operación Secretaría y Fin de semana al desnudo. El eje central de la conversación gira en torno al fenómeno del landismo y la figura de Alfredo Landa, quien interpreta al carismático Rodolfo Cisneros. Mientras que en la cinta de 1966, Operación Secretaría, la trama se desarrolla en blanco y negro con un tono más contenido, la versión de 1974, Fin de semana al desnudo, se sumerge de lleno en el aperturismo del tardofranquismo, utilizando el color y una mayor carga de tensión sexual para atraer al público de la época. Uno de los puntos más destacados por los colaboradores de Libertad Digital es el duelo interpretativo entre las dos grandes cómicas que protagonizan ambas versiones: Gracita Morales y Lina Morgan. La charla también aborda las curiosas reglas de la censura cinematográfica de aquel periodo. En 1974, las normas se habían relajado lo suficiente como para permitir algunos excesos lujuriosos. Secuencias memorables como la batalla de tartas en el despacho del notario, un claro homenaje de Mariano Ozores al cine de Blake Edwards; el final de la película, donde el personaje de Alfredo Landa acaba escayolado y derrotado por las mujeres... El equipo concluye reivindicando el cine industrial de los años sesenta y setenta como una industria que funcionaba, generaba beneficios y entretenía a un público que abarrotaba las salas para ver a sus musas, como la mítica Carmen Sevilla, en la gran pantalla.

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